オーケストラ

Hashtags #オーケストラ

オーケストラ

オーケストラ/ ɔːr K ɪ S T R ə / ;イタリア語:  [orkɛstraは])が大きい楽器のアンサンブルの典型的なクラシック音楽を含む、異なるファミリーからの楽器を組み合わせ、

ハリスコ・フィルハーモニー管弦楽団
現代のオーケストラ コンサート ホール:ポーランド シュチェチンのフィルハーモニー

それぞれがセクションにグループ化されています。

ピアノハープシコードチェレスタなどの他の楽器は、5 番目の鍵盤セクションに表示されることもあります。また、コンサート ハープや、現代の作曲、電子楽器ギター演奏のように、独奏楽器として単独で使用されることもあります。[あ]

フルサイズの西洋のオーケストラは、 交響楽団フィルハーモニー管弦楽団(からギリシャ語 phil-、「愛する」、および「調和」)。特定の公演に採用される実際のミュージシャンの数は、演奏される作品や会場のサイズによって、70 人から 100 人を超える場合があります。室内オーケストラ(コンサート オーケストラのこともある) は、約 50 名以下の小規模なアンサンブルです。[1]オーケストラに特化ことバロック音楽、例えば、のバッハヘンデル、または古典かかるのとレパートリー、ハイドンモーツァルトは、実行オーケストラよりも小さくなる傾向があるデート音楽レパートリーを、[要出典]のような交響曲ヨハネス・ブラームス典型的なオーケストラは 18 世紀から 19 世紀にかけて規模が大きくなり、リヒャルト ワーグナーや後のグスタフ マーラーの作品で必要とされる大規模なオーケストラ (120 人ものプレーヤー) で頂点に達しました

オーケストラは通常、手や腕の動きで演奏を指揮する指揮者によって導かれ、指揮者の指揮棒を使って演奏者が見やすくなることがよくあります。指揮者はオーケストラを統一し、テンポ設定し、アンサンブルの音を形作ります。[2]指揮者はまた、公開コンサートの前にリハーサルを行うことでオーケストラを準備し、演奏される音楽の解釈についてミュージシャンに指示を与えます。

一般にコンサートマスターと呼ばれる第1ヴァイオリンセクションのリーダーも、ミュージシャンを導く重要な役割を果たしています。バロック音楽の時代(1600年から1750年)、オーケストラは、多くの場合、コンサートマスター率いる、またはされた実行コードプレイング・ミュージシャンによって通奏低音の部品ハープシコードパイプオルガン、伝統をそのいくつかの20世紀と21世紀初頭の音楽アンサンブル継続する。オーケストラは、交響曲、オペラバレエの 序曲独奏楽器のための協奏曲オペラバレエ、およびいくつかのタイプのミュージカル劇場(例えば、ギルバートとサリバンのオペレッタ) のピット アンサンブルなど、幅広いレパートリーを演奏ます。

アマチュア オーケストラには、小学校または高校の生徒で構成されるオーケストラユース オーケストラ、コミュニティ オーケストラが含まれます。後者の 2 つは、通常、特定の都市または地域のアマチュア ミュージシャンで構成されています。

用語のオーケストラから派生したギリシャὀρχήστρα(オーケストラ)、ステージの前の領域の名前古代ギリシャの劇場はのために予約ギリシャのコーラス[3]

バロック時代と古典時代

バロック時代、オーケストラのサイズと構成は標準化されていませんでした。ヨーロッパのさまざまな地域間で、サイズ、楽器編成、演奏スタイル、つまりオーケストラのサウンドスケープとパレットに大きな違いがありました。バロックオーケストラは一部につき一人のプレイヤーと小さなオーケストラ(またはアンサンブル)から、一部あたりの多くのプレーヤーとの大規模なオーケストラの範囲でした。小規模な種類の例としては、最大 18 人の奏者のアンサンブルにアクセスできるケーテンなどのバッハのオーケストラがありました。大規模なバロック オーケストラの例には、ローマのコレッリのオーケストラが含まれます。このオーケストラは、毎日の公演では 35 人から 80 人のプレーヤーで構成され、特別な機会には 150 人のプレーヤーで構成されました。[4]

クラシック時代には、オーケストラは小中規模の弦セクションと、オーボエ、フルート、ファゴット、ホーンのペアで構成されるコア ウィンド セクションでより標準化され、パーカッションやクラリネットとトランペットのペアが追加されることもありました。

ベートーヴェンの影響

18世紀後半に開拓され、19世紀前半に統合されたオーケストラにおける二重管と真鍮のいわゆる「標準補聴器」は、一般に、ハイドンとモーツァルトの後にベートーヴェンが求めた力によるものである. [要出典]ベートーベンの楽器には、ほとんどの場合フルートオーボエクラリネットファゴットホルントランペットのペアが含まれていましたこれに対する例外は、彼の交響曲第 4 番ヴァイオリン協奏曲ピアノ協奏曲第 4 番で、それぞれ 1 つのフルートを指定していますベートーヴェンは、革新的な効果を得るために、交響曲3、5、6、9のこの特定の音色の「パレット」の拡張を注意深く計算しました"Eroica" Symphonyの 3 番目のホーンは、ハーモニクスの柔軟性を提供するだけでなく、トリオ楽章の "コーラス" ブラスの効果も提供します。ピッコロコントラ、およびトロンボーンは、彼の勝利のフィナーレに追加交響曲第5番ピッコロと 1 組のトロンボーンが、第 6 番の嵐と日差しの効果をもたらします。これ牧歌的な交響曲としても知られています。9 番は、「エロイカ」と同様の理由で、2 番目のホーンのペアを要求します (4 つのホーンが標準になりました)。ベートーベンがフィナーレでピッコロ、コントラバスーン、トロンボーン、無調のパーカッションさらに合唱とボーカル ソリストを使用したことは、交響曲の音色の境界が拡大される可能性があるという彼の最初の提案です。彼の死後数十年間、交響曲の楽器はベートーヴェンの定評のあるモデルに忠実でしたが、例外はほとんどありませんでした。[要出典]

インストルメンタルテクノロジー

1916 年 3 月 2 日、マーラー交響曲第 8 番アメリカ初演でのストコフスキーとフィラデルフィア管弦楽団

ピストン及びロータリーバルブの発明ハインリック・ストールツルフリードリヒBlühmel、両方Silesiansは、1815年に、フルートのための現代keyworkの開発など、オーケストラに影響を与えた革新のシリーズの最初であったテオバルト・ベームとのイノベーション木管楽器のアドルフ・サックス、特にサックスの発明これらの進歩により、エクトル ベルリオーズ楽器に関する画期的な本を執筆することになります。これは、音楽の表現要素としての楽器音の使用に関する最初の体系的な論文でした。[5]

ワーグナーの影響

交響曲の練習の次の主要な拡張は、リヒャルト ワーグナーバイロイトオーケストラから来ました。彼の音楽劇に付随するために設立されました。ステージのためのワーグナーの作品は、前例のない範囲と複雑さで採点されました。実際、ラインの黄金の楽譜には、6 つのハープが必要です。このように、ワーグナーは、影響力のある著書『指揮について』で詳​​しく述べたように、劇場オーケストラの指揮者として、これまで以上に要求の高い役割を想定していました[6]これはオーケストラの作曲革命をもたらし、その後80年間のオーケストラ演奏のスタイルを設定しました。ワーグナーの理論は、テンポダイナミクス、弦楽器のボウイング、オーケストラにおけるプリンシパルの役割の重要性を再検討しました。

20世紀のオーケストラ

20 世紀の初めには、交響楽団は以前よりも規模が大きく、資金も潤沢で、訓練も充実していました。その結果、作曲家はより大きく、より野心的な作品を作曲することができました。グスタフ マーラーの作品は特に革新的でした。マーラーは、巨大な交響曲第 8 番などの後期の交響曲で、巨大な力を駆使してオーケストラのサイズの限界を押し広げています。後期ロマン派の時代までに、オーケストラは、巨大な弦楽器セクション、巨大な金管楽器セクション、そして幅広い打楽器を使って、最も巨大な形式の交響的表現をサポートすることができました。録音の時代が始まると、録音された交響曲を近くで聞くことができ、ライブパフォーマンスでは気付かないかもしれないイントネーションやアンサンブルの小さなエラーでさえ、批評家が聞くことができたため、パフォーマンスの基準は新しいレベルに押し上げられました. . 20 世紀から 21 世紀にかけて録音技術が向上するにつれて、録音の小さなエラーは、オーディオ編集やオーバーダビングによって「修正」できるようになりました年配の指揮者や作曲家の中には、音楽を可能な限り最高に「理解する」ことが標準だった時代を覚えている人もいるでしょう。録音によって可能になったより幅広い聴衆と相まって、これは特定のスター指揮者と高水準のオーケストラ演奏に再び焦点を当てることにつながりました。[7]

"> File:Ancasta-LaViottiChamberOrchestraMozartKV136.ogvメディアを再生する
ヴィオッティ室内オーケストラの第3移動行う モーツァルトディヴェルティメのDメジャー、K. 136

典型的な交響楽団は木管楽器金管楽器打楽器弦楽器と呼ばれる関連楽器の4 つのグループで構成されていますピアノチェレスタなどの他の楽器は、コンサート ハープ電気楽器や電子楽器のように、キーボード セクションなどの第 5 セクションにグループ化されることもありますオーケストラには、規模にもよりますが、各グループのほぼすべての標準的な楽器が含まれています。

オーケストラの歴史において、その楽器は時間とともに拡張されており、古典派[8]ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの古典的モデルへの影響によって標準化されていることがよくあります。[9] 20世紀と21世紀には、新しいレパートリーの需要がオーケストラの楽器を拡大し、クラシックモデルの楽器と新しく開発された電気楽器電子楽器をさまざまな組み合わせで柔軟に使用するようになりました.

交響楽団フィルハーモニー オーケストラという用語は、ロンドン交響楽団ロンドン フィルハーモニー管弦楽など、同じ地域のさまざまなアンサンブルを区別するために使用される場合があります[b]交響楽団またはフィルハーモニー管弦楽団には、通常 80 人以上、場合によっては 100 人以上のミュージシャンが名簿に登録されていますが、特定の公演に雇用される実際のミュージシャンの数は、演奏される作品や会場の規模によって異なる場合があります。 . [1]

室内オーケストラは通常小さい集合です。主要な室内管弦楽団は 50 人もの音楽家を雇用しますが、それよりもはるかに小規模なオーケストラもあります。コンサート オーケストラは、BBC コンサート オーケストラRTÉ コンサート オーケストラなどの代替用語です。

拡張された計装

オーケストラのコア補聴器とは別に、さまざまな楽器が必要になることがあります。[10]これらには、フリューゲルホルンコルネットが含まれます。たとえば、サックスクラシック ギターは、19 世紀から 21 世紀のスコアに登場します。唯一例えば、いくつかの作品のおすすめのソロ楽器として登場しながら、モーリス・ラヴェルさんのオーケストレーションモデスト・ムソルグスキーの「展覧会の絵セルゲイ・ラフマニノフ交響的舞曲、サックスは、ラヴェルのようなその他の作品に含まれているボレロセルゲイ・プロコフィエフロミオとジュリエット組曲1・2ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第69番ウィリアム・ウォルトンベルシャザールの F F F宴など、管弦楽アンサンブルのメンバーとして数多くの作品に出演。ユーフォニアムは、いくつかの後半で紹介されたロマンチック20世紀の作品通常含むマーク部「テナーチューバ」、遊んで、グスターヴ・ホルスト惑星を、そしてリヒャルト・シュトラウスアインHeldenlebenをワグナーチューバ、ホーンファミリーの変更メンバーは、に表示されますリヒャルト・ワーグナーのサイクルデアリングデニーベルンゲンやシュトラウス、によっていくつかの他の作品バルトーク、およびその他; アントン・ブルックナー交響曲第 7 番ホ長調で重要な役割を果たしています。[11]コルネットは、ピョートル イリイチ チャイコフスキーのバレエ白鳥の湖クロード ドビュッシーラ メールエクトル ベルリオーズのいくつかのオーケストラ作品に登場します。これらの楽器が別の楽器で「ダブリング」するメンバーによって演奏されない限り (たとえば、特定のパッセージでトロンボーン奏者がユーフォニアムに変わったり、ファゴット奏者がコントラバスーンに変わったり)、オーケストラは通常、通常のアンサンブルを増強するためにフリーランスのミュージシャンを雇います。

20 世紀のオーケストラは、以前のオーケストラよりもはるかに柔軟でした。[10]ベートーヴェンとフェリックス メンデルスゾーンの時代には、オーケストラはかなり標準的な楽器のコアで構成されていましたが、作曲家によって変更されることはほとんどありませんでした。時間が進むにつれて、そしてロマン派の時代には、ベルリオーズやマーラーなどの作曲家によって受け入れられた修正に変化が見られました。いくつかの作曲家は、複数のハープとウィンド マシンなどの効果音を使用していました20世紀の間、現代のオーケストラは、一般的に以下の近代的な楽器で標準化されました。それにもかかわらず、後半20世紀半ばからで、開発と現代音楽、計装は、実質的に追加するには、例えば(作曲による手摘みすることができ、電気機器などのエレキギターを電子楽器などのシンセサイザー、非西洋楽器、または伝統的にオーケストラで使用されていない他の楽器)。

この歴史を念頭に置いて、オーケストラは、バロック時代クラシック時代、初期/中期ロマン派音楽時代、後期ロマン派時代、そして近代/ポストモダンの複合時代の5つの時代に分析することができます最初であるバロックオーケストラ(すなわち、JSバッハヘンデルヴィヴァルディ)一般パフォーマーの少ない数を持っていた、そして、その内の1つまたは複数の弦演奏楽器、通奏低音基(例えば、ハープシコードパイプオルガンや各種ベースラインを演奏するベース楽器)は、重要な役割を果たしました。2つ目は、典型的なクラシック時代のオーケストラ(例えば、モーツァルトハイドン一緒に初期のベートーヴェン)であり、ロマン派音楽オーケストラよりも小さなグループの演奏者とかなり標準化された楽器を使用していました。3番目は、初期/中期ロマン主義時代の典型です(たとえば、シューベルトベルリオーズシューマンブラームス)。4つ目は、2010年代の現代のオーケストラ(例えば、アダムスバーバーアーロン・コープランドグラスペンデレツキ)の一般的な補数に対する、後期ロマン派/20世紀初頭のオーケストラ(例えば、ワーグナーマーラーストラヴィンスキー)です。

後期バロック管弦楽団

クラシックオーケストラ

初期のロマン派オーケストラ

後期ロマン派オーケストラ

モダン/ポストモダン・オーケストラ

オーケストラの指揮

楽器グループ間および楽器の各グループ内には、一般的に受け入れられている階層があります。すべての楽器グループ (またはセクション) には、通常、グループを率いてオーケストラのソロを演奏する責任を負うプリンシパルがいます。バイオリンは第1バイオリンと第2バイオリンの2つのグループに分けられ、第2バイオリンは第1バイオリンよりも低音域で演奏したり伴奏パートを演奏したり、第1バイオリンの奏でるメロディーを調和させたりします。第一ヴァイオリンの首席ヴァイオリンは、コンサートマスター(または英国ではオーケストラの「リーダー」)と呼ばれ、弦楽セクションのリーダーであるだけでなく、指揮者だけに次ぐ、オーケストラ全体の副指揮者と見なされます。コンサート マスターは、コンサート前の調律主導し、バイオリンまたはすべての弦セクションの弓を決定するなど、オーケストラ管理の音楽的側面を処理します。コンサート マスターは通常、聴衆に最も近い、指揮者の左側に座ります。また、第2ヴァイオリン首席、ヴィオラ首席、チェロ首席、バス首席奏者もいます。

プリンシパル トロンボーンは金管低域のリーダーと見なされ、主トランペットは金管セクション全体のリーダーと見なされます。オーボエはしばしばオーケストラのチューニングノートを提供しますが (300 年の伝統があるため)、通常、木管楽器セクションの首席奏者は指定されていません (木管楽器アンサンブルでは、フルートが推定リーダーになることがよくあります) [12]代わりに、各校長は、音楽的な意見の相違の場合に、他の校長と対等に話し合います。ほとんどのセクションには、副校長 (または副校長または副校長) がいるか、第一ヴァイオリンの場合はコンサートマスター補佐がおり、校長が不在の場合は校長の代わりに加えて、しばしばトゥッティの役割を果たします。

セクション ストリング プレーヤーは、セクションの残りの部分とユニゾン演奏します。ただし、分割された (ディビジ) パートの場合を除き、音楽の上部と下部が「外側」(観客に近い) と「内側」に割り当てられることがよくあります。プレーヤー。ストリング セクションでソロ パートが必要な場合、セクション リーダーは常にそのパートを演奏します。ストリング セクションのセクション リーダー (またはプリンシパル) は、多くの場合、コンサート マスターによって設定されたボウイングに基づいて、ボウイングを決定する責任もあります。場合によっては、弦楽器セクションのプリンシパルは、楽器を演奏するための要件に対応するために、コンサートマスターとはわずかに異なるボウイングを使用することがあります (コントラバス セクションなど)。ストリングセクションのプリンシパルは、セクションが一緒に演奏できるように、通常、入り口の前に弓を持ち上げることによって、そのセクションの入り口を導きます。Tutti の管楽器奏者と金管楽器奏者は、通常、ユニークではありますがソロではありません。セクションパーカッショニストは、主任パーカッショニストから割り当てられたパートを演奏します。

現代では、音楽家は通常によって指示された導体の早期オーケストラが1つを持っていなかったが、代わりにこの役割を与え、コンサートチェンバロ演奏通奏を現代のオーケストラの中には、指揮者なしで行うものもあり、特に小規模なオーケストラや、歴史的に正確な(いわゆる「ピリオド」)バロックや初期の音楽の演奏を専門とするオーケストラはそうです。

交響楽団で最も頻繁に演奏されるレパートリーは、西洋のクラシック音楽またはオペラです。ただし、オーケストラはポピュラー音楽(たとえば、コンサートでロックまたはポップ バンドの伴奏) で使用されることもあれば映画音楽広く使用されビデオ ゲーム音楽で使用されることが多くなっています。オーケストラは、シンフォニック メタルのジャンルでも使用されます。「オーケストラ」という用語は、ビッグバンド音楽の演奏などジャズのアンサンブルも適用できます。

メンバーの選出と任命

2000 年代には、プロのオーケストラの終身在職者全員が、通常、アンサンブルのポジションについてオーディション受けます。演奏者は通常、オーディションのポスターで宣伝されている協奏曲の楽章、ソロのバッハ楽章、オーケストラの文献からのさまざまな抜粋など、オーディション対象者が選択した 1 つ以上のソロ作品を演奏します (オーディション対象者が準備できるように)。抜粋は、通常、オーケストラの文献から技術的に最も挑戦的なパートとソロです。オーケストラのオーディションは、通常、指揮者コンサートマスター、オーディション対象者が応募するセクションの主要プレーヤー、および場合によっては他の主要プレーヤーを含むパネルの前で行われます。

オーディションの第 1 ラウンドで最も有望な候補者は、オーディションの第 2 ラウンドまたは第 3 ラウンドに戻るよう招待されます。これにより、指揮者とパネルは、最も優れた候補者を比較できます。演奏者は、オーケストラ音楽のサイト・リーディングを求められることがあります一部のオーケストラでは、オーディション プロセスの最終段階としてテスト ウィークがあります。この週では、演奏者は 1 ~ 2 週間オーケストラと一緒に演奏します。これにより、指揮者と主要奏者は、個人が実際のリハーサルや演奏でうまく機能するかどうかを確認できます。設定。

さまざまな雇用形態があります。最も求められているポジションは、オーケストラ内の永続的なテニュアポジションです。オーケストラは、1 回のコンサートからフル シーズンまたはそれ以上まで、契約に基づいてミュージシャンを雇います。契約演奏者は、オーケストラが非常に大規模な後期ロマン派のオーケストラ作品を行っている場合、または病気の常任メンバーの代わりに個々のコンサートのために雇われることがあります。1 回のコンサートで演奏するために雇われたプロのミュージシャンは、「サブ」と呼ばれることがあります。一部の契約ミュージシャンは、常任理事国が育児休暇または障害者休暇を取っている間、常任理事国に代わって雇用される場合があります

アンサンブルの性

歴史的に、主要なプロのオーケストラは、ほとんどまたは完全に男性ミュージシャンで構成されてきました。最初のプロのオーケストラで雇った女性メンバーがされていharpistsウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は、例えば、(他のオーケストラがで世界のトップ5にランクインはるか後に同等のオーケストラよりも、1997年まで永久会員に女性を受け入れなかったグラモフォン2008年)。[13]女性を常任職に任命した最後の主要オーケストラは、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団でした。[14] 1996 年 2 月、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の首席フルートであるディーター・フリューリーは女性を受け入れることは「この有機体が現在持っている感情的な統一 (エモーショナル・ゲシュロッセンハイト) に賭ける」ことになるだろう西ドイツ放送に語った. [15] 1996年4月、オーケストラの報道官は産休の「予想される休職の補償」が問題になると書いた. [16]

1997年、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は、全米女性同盟国際女性音楽連盟による「[米国]ツアー中に抗議に直面していた」. 最後に、「社会的に保守的なオーストリアでさえ、ますます increasingridrid笑されることに我慢された後、オーケストラのメンバーは[1997年2月28日に]出発の前夜に臨時会議に集まり、女性アンナ・レルケスをハープ奏者として認めることに同意した. 」[17] 2013 年の時点で、オーケストラには 6 人の女性メンバーがいます。そのうちの 1 人、ヴァイオリニストのアルベナ・ダナリョワは、2008 年にオーケストラのコンサートマスターの 1 人になりました。[18] 2012 年には、女性がオーケストラのメンバーの 6% を占めていました。VPO の社長Clemens Hellsbergは、VPO は現在、完全にスクリーニングされたブラインド オーディションを使用していると述べました[19]

2013年、マザー・ジョーンズの記事は、「ニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団のヴァイオリン・セクションでは、女性が男性よりも女性の方が多く国立交響楽団デトロイト交響楽、そしてミネソタ交響楽団は女性ヴァイオリニストによって率いられています」、主要なオーケストラのコントラバス、ブラス、パーカッションのセクションは「...まだ主に男性です」. [20] 2014年のBBCの記事は、「...「ブラインド」オーディションの導入により、審査員団がジェンダーや人種的偏見を行使できないように、将来の楽器奏者がスクリーンの後ろで演奏する. -支配的な交響楽団は徐々に変化している。」[21]

さまざまなアマチュアオーケストラもあります。

学校のオーケストラ
これらのオーケストラは、小学校または中学校の生徒で構成されています。彼らは、音楽のクラスまたはプログラムの生徒である場合もあれば、学校全体から引き出される場合もあります。学校のオーケストラは通常、音楽教師が率いてい ます。
大学または音楽院のオーケストラ
これらのオーケストラは、大学または音楽院の学生で構成されています。場合によっては、大学のオーケストラは、すべてのプログラムの大学のすべての学生に開放されています。大規模な大学には、2 つ以上の大学オーケストラがある場合があります。1 つ以上のオーケストラは音楽専攻で構成されます (または、主要な音楽プログラムの場合は、スキル レベルでランク付けされたいくつかの層の音楽主要オーケストラ)。オーケストラ楽器でのクラシック音楽の経験があるプログラム (例: 科学、ビジネスなど)。大学および音楽院のオーケストラは、通常、大学または音楽院の教授または講師である指揮者によって率いられ ます。
ユースオーケストラ
これらのオーケストラは、都市全体または地域全体から集まった十代の若者や若者で構成されています。ユース オーケストラの年齢層は、アンサンブルによって異なります。場合によっては、ユース オーケストラは、全国の 10 代またはヤング アダルトで構成される場合があります (たとえば、カナダのナショナル ユース オーケストラ)。
コミュニティオーケストラ
これらのオーケストラは、都市または地域全体から集められたアマチュア演奏者で構成されています。コミュニティ オーケストラは通常、成人のアマチュア音楽家で構成されます。コミュニティ オーケストラのレベルは、聴衆の前で正式な演奏を行わずに音楽をリハーサルする初心者レベルのオーケストラから、標準的なプロ オーケストラのレパートリーを演奏する中級レベルのアンサンブル、高度なアマチュア グループまでさまざまです。場合によっては、大学や音楽院の学生がコミュニティ オーケストラのメンバーになることもあります。コミュニティ オーケストラのメンバーはほとんどが無給のアマチュアですが、一部のオーケストラでは、少数の専門家が主要なプレーヤーやセクション リーダーとして雇われる場合があります。

オーケストラは、17 世紀の組曲、18 世紀のディヴェルティメントから 20 世紀の映画音楽、21 世紀の交響曲まで、幅広いレパートリーを演奏しますオーケストラは、対照的なキーとテンポを提供する複数の楽章を含む、西洋のクラシック音楽の拡張された音楽作品ある交響曲の同義語になっています。交響曲は、すべての楽器パートを含む楽譜記譜されます。導体はリハーサルの前に交響曲を研究し、その解釈(例えば、テンポ、アーティキュレーション、フレージング、など)を決定し、アンサンブルをリードしながら、リハーサルやコンサート中に音楽を追跡するためにスコアを使用しています。オーケストラのミュージシャンは、楽器の楽譜のみを含むパートから演奏します。少数の交響曲にはボーカルパートも含まれています (たとえば、ベートーベン第 9 交響曲)。

オーケストラは序曲も演奏します。これは、もともとはオペラの楽器による序曲に適用された用語です。[22]初期のロマン派時代、ベートーヴェンメンデルスゾーンなどの作曲家は、フランツ・リストがいくつかの作品で考案し交響詩などのジャンルを先取りした、独立した自己存在する器楽的プログラム作品を指す用語として使用し始めた。それは劇的な序曲として始まりました。これらは「最初は間違いなくプログラムの先頭で演奏されることを意図していました」。[22] 1850年代、コンサート序曲は交響詩に取って代わられた.

オーケストラはまた、協奏曲で器楽ソリストと共演します。協奏曲の間、オーケストラはソリスト (例えば、ソロ バイオリニストまたはピアニスト) の伴奏の役割を果たし、時にはソリストが演奏していないときに音楽のテーマや間奏曲を導入します。オーケストラはオペラバレエ、一部のミュージカル作品、一部の合唱作品 (ミサなどの神聖な作品と世俗的な作品の両方) にも出演します。オペラやバレエでは、オーケストラが歌手とダンサーにそれぞれ伴奏し、オーケストラが奏でるメロディーを中心に序曲や間奏曲を演奏します。

公演

バロック時代には、オーケストラは貴族の立派な家屋、オペラ ホール、教会など、さまざまな場所で演奏しました。一部の裕福な貴族は、彼らとそのゲストを公演で楽しませるために、自分の邸宅にオーケストラを置いていました。クラシック時代には、作曲家が一般大衆からの財政的支援をますます求めていたため、オーケストラのコンサートはますます公共のコンサートホール開催され、音楽愛好家がオーケストラを聴くためのチケットを購入することができました。クラシック時代も貴族によるオーケストラの後援は続きましたが、これは公開コンサートと並行して行われました。20 世紀から 21 世紀にかけて、オーケストラは新たな後援者、つまり政府を見つけました。北米とヨーロッパの多くのオーケストラは、国や地域レベルの政府 (たとえば、米国の州政府) または都市政府から資金の一部を受け取っています。これらの政府補助金は、チケット販売、慈善寄付 (オーケストラが慈善団体として登録されている場合)、その他の募金活動とともに、オーケストラの収益の一部を占めています。サウンド レコーディングラジオ放送テレビ放送インターネットベースのコンサート ビデオのストリーミングとダウンロードなど、連続した技術の発明により、オーケストラは新しい収入源を見つけることができました。

パフォーマンスの問題

偽物

「オーケストラ演奏の重要な説明のつかない[トピック]」の 1 つは「偽造」です。これは、オーケストラのミュージシャンが「書かれたとおりにすべての音を演奏するという誤った印象」を与えるプロセスです。印刷された音楽パートにあるノートを実際に演奏しているわけではありませんが、高いまたは非常に速いです。[23] The Stradの記事によると、一流のオーケストラの演奏者でさえ、すべてのオーケストラ奏者は、特定のパッセージを偽装することがあります。[23]ミュージシャンが偽造する理由の 1 つは、リハーサルが十分でないことです。[23]もう 1 つの要因は、20 世紀と 21 世紀の現代作品における極端な挑戦です。一部の専門家は、「偽物」は「現代の作品の 10% からほぼ 90% で必要」だと述べた. [23]インタビューされたプロの演奏家は、パートが楽器のためにうまく書かれていない場合、偽造は許容されるかもしれないが、「練習していないという理由だけで」音楽を偽造することは受け入れられないという合意に達していた. [23]

反革命

古楽運動の出現により、演奏に関する古い論文の研究から派生したスタイルで演奏を行う小規模なオーケストラが一般的になりました。これらは、啓蒙時代のオーケストラロンドン・クラシカル・プレイヤーズ卿の指揮の下ロジャー・ノリントンエンシェント室内管弦楽団の下でクリストファー・ホグウッドをとりわけ、。[要出典]

米国の最近の動向

米国では、20 世紀後半にオーケストラへの資金提供と支援が危機に直面しました。支持者の人数と比較して、交響楽団の規模と費用は、この機関の核心に突き当たる問題となった。観客席を埋めることができるオーケストラはほとんどなく、昔ながらのシーズン購読システムはますます時代錯誤的なものになっていきました。より多くのリスナーが個々のイベントのアドホックベースでチケットを購入するようになるからです。オーケストラの寄付金、そしてアメリカのオーケストラの日々の運営にとってより中心的なものであるオーケストラの寄付者は、投資ポートフォリオが縮小したり、収益が低下したりして、寄付者の寄付能力を低下させています。さらに、寄付者は他の社会的原因の方が説得力があると考える傾向があります。政府の資金提供はヨーロッパのオーケストラほどアメリカ人にとって中心的ではないが、そのような資金の削減はアメリカのアンサンブルにとって依然として重要である. 最後に、レコーディング業界自体の変化と少なからず関係する、レコーディングからの収益の大幅な落ち込みは、まだ結論に達していない変化の時期を迎えました。

破産した米国のオーケストラには、フィラデルフィア管弦楽団(2011 年 4 月) とルイビル管弦楽団(2010 年 12 月) が含まれます。入ってきたオーケストラ第7章破産と操作を中止しているが、2006年に北西室内管弦楽団を含め、2011年3月、ホノルル・オーケストラニューメキシコ交響楽団2011年4月、およびシラキュース交響楽団2011年6月におけるオーケストラのフェスティバルオーランド、フロリダ州、2011 年 3 月末に営業を終了しました。

注目され批判された財政難の原因の 1 つは、米国のオーケストラの音楽監督の高額な給与であり[24]、これにより、近年、有名な指揮者数名が減給されました。[25] [26] [27]マイケル・ティルソン・トーマスエサ・ペッカ・サロネンなどの音楽管理者は、新しい音楽、それを提示する新しい手段、コミュニティとの新たな関係が交響楽団を活性化できると主張した. アメリカの批評家グレッグ・サンドウは、オーケストラは音楽、パフォーマンス、コンサート体験、マーケティング、広報、コミュニティへの参加、そして大衆文化に没頭する21世紀の聴衆の期待に沿うように、彼らのアプローチを修正しなければならないと詳細に論じた. .

現代の作曲家が、さまざまなシンセサイザーを含む従来とは異なる楽器を使用して、目的の効果を達成することは珍しくありません。ただし、多くの人は、色と深さの可能性を高めるために、より従来型のオーケストラ構成を見つけます。ジョン・アダムズのような作曲家は、中国でのアダムズのオペラ「ニクソン」のように、ロマンティックなサイズのオーケストラを使用することがよくありますPhilip Glassなどはもっと自由かもしれませんが、それでもサイズの境界を特定します。特にグラスは最近、チェロとオーケストラのため協奏曲ヴァイオリン協奏曲第 2 番などの作品で、従来のオーケストラに目を向けています。

資金の減少に伴い、一部の米国のオーケストラは全体的な人員を削減し、公演に出演するプレーヤーの数を減らしました。ここでの数は伝統的に柔軟であるため (通常、複数のプレーヤーが同じパートから演奏するため) 、パフォーマンスの低下は通常、ストリング セクションに限定されます

アポ・スは、使用して バトンを、実施 師範大学交響楽団、台北、中国の共和国

指揮とは、オーケストラや合唱コンサートなどの音楽演奏を指揮する芸術です指揮者の主な任務は、テンポを設定し、アンサンブルのさまざまなメンバーによる正しいエントリーを確実にし、必要に応じてフレージングを「形成」することです。[2]彼らの考えや解釈を伝えるために、指揮者は主に手のジェスチャーを通じて、通常は (常にではないが)バトンの助けを借りて、ミュージシャンとコミュニケーションし、関連するパフォーマーとアイコンタクトなどの他のジェスチャーや合図を使用することもある. [28]指揮者の指示は、ほとんどの場合、演奏前のリハーサルで演奏者に口頭で指示または提案することによって補足または強化されます。[28]

導体は、一般的に大きな譜面台に上げ表彰台に立つフルスコアが含まれ、楽譜全ての楽器や声のために。行う際半ば18世紀以来、ほとんどの導体は、楽器をプレイしていない[要出典]以前の期間であるが、クラシック音楽の歴史、楽器を演奏しながらアンサンブルをリードすることは一般的でした。バロック音楽1750年代に1600年代から、グループは一般的に率いることになるチェンバロまたは最初のバイオリニスト(参照コンサートマスターを)、現代ではこの期間からの音楽のためにいくつかの音楽監督で復活されたことをアプローチ。ピアノシンセサイザーを演奏しながらの指揮は、ミュージカル シアターピット オーケストラでも行われることがありますパフォーマンス中のコミュニケーションは通常、非言語的です (これは厳密にはアート ミュージックに当てはまりますが、ジャズのビッグ バンドや大規模なポップ アンサンブルでは、「カウント イン」などの音声による指示が時折ある場合があります)。ただし、リハーサルでは、頻繁に中断することで、指揮者が音楽の演奏方法や歌い方について口頭で指示することができます。

指揮者は、指揮するオーケストラや合唱団の案内役を務めます。彼らは上演する作品を選択し、スコアを調べて、一定の調整 (例えば、テンポ、アーティキュレーション、フレージング、セクションの繰り返しなど) を行い、解釈を行い、彼らのビジョンをパフォーマーに伝えることができます。 . 彼らはまた、リハーサルのスケジュール、[29]コンサート シーズンの計画、オーディションの聴取とメンバーの選択、メディアでのアンサンブルの宣伝などの組織的な問題に参加することもあります。オーケストラ、合唱団コンサート バンド、およびビッグ バンドなどの他の大規模な音楽アンサンブルは、通常、指揮者によって率いられます。

無指揮オーケストラ

バロック音楽の時代(1600年から1750年)、ほとんどのオーケストラが呼び出さミュージシャン、通常、主要な第一バイオリン、のいずれかによって導かれたコンサートコンサートマスターは、リズミカルに弓を持ち上げることで、曲のテンポを導きます。リーダーシップも遊んで和音演奏楽器の一つによって提供されている可能性がある通奏低音最もバロック器楽合奏作品の核心だった部分を。通常、これはハープシコード奏者、パイプオルガン奏者、またはルティストまたはテオルボ奏者です。キーボード プレーヤーは、頭でアンサンブルをリードするか、キーボードから片方の手を離して、より難しいテンポ変更をリードすることができます。リュート奏者やテオルボ奏者は、楽器の首を上下に持ち上げて曲のテンポを示したり、リズムやエンディングでリタールをリードしたりすることができます。合唱と楽器のアンサンブルを組み合わせたいくつかの作品では、2人のリーダーが使用されることがありました.コンサートマスターが楽器奏者をリードし、コード演奏者が歌手をリードします. 中にクラシック音楽の期間C。 1720年から1800年)、通奏低音を再生するには、弦の楽器を使用しての練習は徐々に段階的に廃止し、それが代わりに1800によって完全に消失し、アンサンブルがオーケストラのテンポや演奏スタイルをリードする導体を使用し始めました一方で、コンサートマスターは、さまざまな弦楽器で可能な限り、コンサートマスターの弓のストロークと演奏スタイルを模倣するミュージシャン、特に弦楽器奏者のために追加の指導的役割を果たしました。

1922 年、革命 後のソビエト連邦で、指揮者のいないオーケストラのアイデアが復活しましたパーシムファンズの交響楽団は指揮者なしで結成された。創設者たちは、アンサンブルは、すべての人が平等である理想的なマルクス主義国家をモデルにすべきであると信じていたからである。そのため、そのメンバーは、指揮者の独裁的な指揮棒に導かれる必要はないと感じました。代わりに、彼らは委員会によって率いられ、テンポと演奏スタイルを決定しました。それはソ連内の部分的な成功だったが、コンセプトとの主な難しさは変更していたテンポを委員会は、テンポの変更が行われるべき場所についての法令を発行した場合でも、アンサンブルのにはリーダーがなかったので、公演中にこのテンポ変更をガイドします。オーケストラは、スターリンの文化政策によって資金を奪われて解散するまで、10 年間存続しました[30]

西側諸国では、ニューヨーク市に拠点を置くオルフェウス室内管弦楽団などの一部のアンサンブルは、指揮者のいないオーケストラでより成功を収めていますが、決定はアンサンブル内のリーダーシップの感覚に委ねられる可能性が高いです (たとえば、主な風弦楽器奏者、特にコンサートマスター)。他の人は、芸術監督であり、リハーサルやコンサートをリードする、通常はバイオリニストである首席奏者の伝統に戻っています。例としては、オーストラリア室内管弦楽団、アムステルダム シンフォニエッタ & キャンディー トンプソン、ニュー センチュリー室内管弦楽団などがあります。同様に、の一環として、早期の音楽ムーブメント、いくつかの20世紀と21世紀オーケストラはコンサートマスターを使用して、または、バロック様式の作品のために表彰台に何の導体を有していないのバロック様式の練習を復活させている和音演奏通奏低音パフォーマー(例えば、ハープシコードやオルガン) グループを率いる。

複数の導体

オフステージ楽器

一部のオーケストラ作品では、幽霊の出る神秘的な効果を生み出すために、舞台外のトランペットを使用するか、オーケストラの他の楽器を舞台外または舞台裏に配置する必要があると規定しています。舞台外の楽器奏者が時間通りに演奏できるようにするために、舞台外に副指揮者が配置され、主指揮者がはっきり見えることがあります。例には、グスターヴ・ホルストの惑星」のネプチューン」のエンディングが含まれます首席指揮者は大規模なオーケストラを指揮し、副指揮者は首席指揮者のテンポとジェスチャーを舞台裏の音楽家に伝えます。2 人の指揮者を使用する場合の課題の 1 つは、2 番目の指揮者が主要な指揮者と同期しなくなったり、主要な指揮者のジェスチャーを誤って伝達 (または誤解) したりする可能性があることです。後半20世紀と初期21世紀では、いくつかのオーケストラで使用ビデオカメラを主導体とで指摘閉回路テレビの代わりに二つの導体を使用する、オフステージの出演者(複数可)の前に集合。

現代音楽

ポリスタイリズムとポリテンポ[31]音楽のテクニックにより、20 世紀と 21 世紀の数人の作曲家が、複数のオーケストラやアンサンブルが同時に演奏する音楽を書くようになりました。これらの傾向は、別々のサブコンダクターが各グループのミュージシャンを指揮するポリコンダクター音楽の現象をもたらしました。通常、1 つの主導体が副導体を伝導し、それによって全体的なパフォーマンスが形成されます。パーシー・グレインジャー戦士オーケストラの一次導体、オフステージ向ける二次導体:3つの導体含むブラスアンサンブルを、そしてパーカッションとハープを導く第三導体。20世紀後半の管弦楽の一例は、聴衆の周りに配置された3つのオーケストラのためカールハインツ・シュトックハウゼングルッペンです。このようにして、電気音響作品のように、「音の塊」を空間化することができますグルッペンは、シュトックハウゼン、ブルーノ・マデルナピエール・ブーレーズの指揮により、1958年にケルンで初演されました1996 年にサイモン・ラトルジョン・カリューダニエル・ハーディングによって演奏されました[32]

  • 中国のオーケストラ
  • ガムランオーケストラ
  • 交響楽団一覧
    • ヨーロッパの交響楽団一覧
    • アメリカの交響楽団一覧
  • アメリカのユースオーケストラ一覧
  • オーケストラの強化
  • オーケストレーション
  • 放送管弦楽団
  • リズムセクション
  • オーケストラ楽器の略語
  • 弦楽オーケストラ

  1. ^ ハンマー アクションのためピアノチェレスタ打楽器(「ピッチド パーカッション」) に含まれることがよくあります。ハープハープシコード、そしてギターセクション。そして、パイプオルガン木管楽器ハープは、少なくともロマン派時代の音楽のために、現代のオーケストラに(かなり)定期的に含まれている唯一の楽器です。ピアノは、定期的にの一部であるポップオーケストラ、及びハープシコードは定期的に含まれているバロック室内オーケストラ
  2. ^ 現在、同じ場所にある2つのオーケストラを区別するために交響楽団フィルハーモニー管弦楽団が使われていることは、言葉の意味が持っていたかもしれない以前の違いをすべて消し去る: ある種のオーケストラのこれら2つの名前は同一である. [1]

  1. ^ a b c "室内管弦楽団、フィルハーモニック管弦楽団、交響楽団の違い" . ルートヴィヒ・ヴァン・トロントクラシック 101。2014 年 8 月 4 日2020 年9 月 21 日に取得
  2. ^ a b ケネディ、マイケルボーン・ケネディ、ジョイス (2007)。「指揮」。Oxford Concise Dictionary of Music (第 5 版)。オックスフォード大学出版局、オックスフォード。ISBN 978-0-19-920383-3 – Archive.org経由。
  3. ^ リデル、ヘンリー・ジョージ; スコット、ロバート (1999 年 4 月)。「オーケストラのオーケストラ」。ギリシャ英語レキシコンタフツ大学 – ペルセウス経由。
  4. ^ パナイン、グイド。「アルカンジェロ・コレッリ」エンサイクロペディア・ブリタニカ検索された9年11月2015
  5. ^ ベルリオーズ、H. (1843)。Traite d'instrumentation et d'orchestration [インストルメンテーションとオーケストレーションに関する論文]。パリ、FR: ルモワン。
  6. ^ ワグナー、R. (1887)。Ueber das Dirigiren [指揮]. ロンドン、英国: W. リーブス。クラシック音楽の演奏におけるスタイルに関する論文
  7. ^ ブルナー、ランス W. (1986)。「オーケストラと録音された音」。Peyser、Joan (編)。オーケストラ: 起源と変容. ニューヨーク州ニューヨーク: Scribner's Sons。pp. 479–532。
  8. ^ ウェストラップ、ジャック(2001)。「インストルメンテーションとオーケストレーション」。サディ、スタンレーは(編)。新しいグローブ音楽とミュージシャンの辞書(第 2 版)。ニューヨーク州ニューヨーク:グローブ。§3. 1750 年から 1800 年。
  9. ^ D. Kern Holoman、「Instrumentation and Orchestration: 4. 19th Century」、 New Grove 2001。
  10. ^ a b ホプキンス、GW; グリフィス、ポール (2001)。インストルメンテーションとオーケストレーションニューグローブ。5.印象とその後の展開。
  11. ^ 「ワグナーチューバ」 . ワグナーチューバ検索された4年6月2014
  12. ^ フォード、ルアン。Davidson、Jane W. (2003 年 1 月 1 日)。「木管五重奏におけるメンバーの役割の調査」. 音楽心理学31 : 53–74。DOI10.1177 / 0305735603031001323S2CID  145766109
  13. ^ 「世界最高のオーケストラ」 . gramophone.co.uk2012 年 10 月 24 日取得した29年4月2013
  14. ^ Oestreich、James R. (2007 年 11 月 16 日)。「光の中のベルリン: 女性の質問」 . アーツビート。ニューヨーク・タイムズ
  15. ^ レジーナ・ヒメルバウアーによる転写。William Osborne による翻訳 (1996 年 2 月 13 日)。「英訳」 . Musikalische Misogynie(ラジオトーク番組)。Westdeutscher Rundfunk Radio 5。
  16. ^ 「ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のGen-Musリストへの返答書」 . Osborne-conant.org1996 年 2 月 25 日検索された10月5日に2013
  17. ^ ジェーン、ペルレス (1997 年 2 月 28 日)。「ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は女性が調和して参加する」 . ニューヨーク・タイムズ
  18. ^ 「ウィーン国立歌劇場、史上初の女性コンサートマスターを任命」 . フランス 242008年5月8日。2013年10月28日のオリジナルよりアーカイブ
  19. ^ Oestreich、James R. (1998 年 2 月 28 日)。「レジェンドでさえ、時代と流行に順応します – ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団でさえ」 . ニューヨーク・タイムズ
  20. ^ レヴィントヴァ、ハンナ (2013 年 9 月)。「これが、女性が交響曲を率いる姿をめったに見ない理由です」 . マザー・ジョーンズ取得した24年12月2015
  21. ^ バートン、クレメンシー (2014 年 10 月 21 日)。「なぜ女性指揮者が増えないのですか?」. 文化。BBC . 取得した24年12月2015
  22. ^ a b ブロム (1954)。[完全な引用が必要]
  23. ^ a b c d e マクベイ、アリス (2006 年 6 月)。「それを捏造する – オーケストラ演奏の偉大な無言」 . ストラッド
  24. ^ クーパー、マイケル (2015 年 6 月 13 日)。「伝説のマエストロのマネージャー、ロナルド・ウィルフォードが87歳で死去」 . ニューヨーク・タイムズ検索された11年7月2015
  25. ^ ルイス、ザッカリー (2009 年 3 月 24 日)。「クリーブランド管弦楽団は「大幅な」削減を計画しているが、ウェルザー・モストは給与削減を行う」 . クリーブランド プレーン ディーラー検索された11年7月2015
  26. ^ ペルムッター、ドナ (2011 年 8 月 21 日)。「彼は危機を乗り越えてうまくやっていく」 . ロサンゼルス・タイムズ検索された11年7月2015
  27. ^ ロイス、グレイドン (2014 年 5 月 9 日)。"Osmo Vänskä がミネソタ管弦楽団を再建するために雇う" . ミネアポリスのスタートリビューン検索された11年7月2015
  28. ^ a b ホールデン、レイモンド。「指揮のテクニック」。ボーエン、ホセ・アントニオ (編)。ケンブリッジ コンパニオン コンパニオン. ケンブリッジ大学出版局。p. 3.
  29. ^ 「コンダクター」About.com . 2013 年 4 月 15 日時点のオリジナルよりアーカイブ取得した30年8月2016CS1 maint: bot: 元の URL ステータス不明 ( link )
  30. ^ エックハルト、ジョン (1997)。「オーケストラ・オーネ・ディリジェント」。Neue Zeitschrift für Musik158 (2): 40–43。
  31. ^ 「ポリテンポの音楽記事」 . Greschak.com。アーカイブされたオリジナルの2002年8月20日に検索された4年6月2014
  32. ^ ヘンシェル、フィリップ (1996 年 12 月 21 日)。「すべての才能とギミックなし」 . デイリー・テレグラフ紙ISSN  0307-1235 2018 年1 月 7 日に取得

  • レイナー、ヘンリー (1978)。オーケストラ: 歴史. スクリブナーISBN 978-0-684-15535-7.
  • スピッツァー、ジョン; ザスロー、ニール(2004)。オーケストラの誕生: 機関の歴史、1650 ~ 1815 年オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-816434-0.

  • チザム、ヒュー、編。(1911)。「オーケストラ」  . 百科事典ブリタニカ(第 11 版)。ケンブリッジ大学出版局。