バロック

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バロック言葉の由来etアーキテクチャ:起源と特徴

バロック/ B ə R ɒ K /米国/ B ə R K / ;フランス語:  [baʁɔk] )でスタイル建築音楽ダンス絵画彫刻17世紀初頭から1740年代までヨーロッパで栄えたその他の芸術。イベリア半島を含むスペイン帝国とポルトガル帝国の領土では、1800年代の最初の10年間まで、新しいスタイルとともにそれが続きました。それはルネサンス芸術マニエリスムに従い、ロココ様式(過去にはしばしば「後期バロック」と呼ばれていました)と新古典主義様式に先行していました。それは、プロテスタントの建築、芸術、音楽の単純さと緊縮に対抗する手段としてカトリック教会によって奨励されましたが、ルーテルバロック芸術はヨーロッパの一部でも発展しました。[1]

バロック様式は、コントラスト、動き、あふれんばかりのディテール、深い色、壮大さ、驚きを使用して、畏敬の念を実現しました。このスタイルは17世紀の初めにローマで始まり、フランス、イタリア北部、スペイン、ポルトガル、そしてオーストリア、ドイツ南部、ロシアに急速に広まりました。1730年代までに、ロカイユまたはロココと呼ばれるさらに華やかなスタイルに進化し、18世紀半ばから後半までフランスと中央ヨーロッパで登場しました。

装飾芸術、スタイルが豊富で複雑な装飾を採用しています。ルネッサンス古典主義からの脱却には、各国で独自の方法があります。しかし、一般的な特徴は、どこからでも出発点がルネッサンスによって導入された装飾的な要素であるということです。古典的なレパートリーは、衝撃効果を誘発するために、混雑し、密集し、重なり合い、負荷がかかっています。バロックによって導入された新しいモチーフは、カルトゥーシュ、トロフィーと武器、果物や花のバスケットなど、マーケトリースタッコ、または彫刻で作られています。[2]

メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)にある 、おそらく1860年頃に、バロックパール(胴体)とルビーがセットされたエナメルを塗られた金の台紙 で作られたサイレンの形のペンダント

英語の単語バロックフランス語から直接来ています(現代の標準的な英語のスペルが示唆しているように)。フランス語の単語がポルトガル語の用語に由来することを一部の学者状態barrocoを指し、(「欠陥のある真珠」)[必要に応じて明確化]ラテン語[3](「いぼ」)、または接尾辞を持つ単語に-ǒccu(ローマ時代以前のイベリアで一般的)。[4] [5] [6]他の情報源は、最も可能性の高い情報源として、論理学で使用される中世ラテン語のバロコを示唆しています。[7]

16世紀に、中世ラテン語のバロコは学問的な論理を超えて、ばかばかしいほど複雑に見えるものを特徴づけるために使用されるようになりました。フランスの哲学者ミシェル・ド・モンテーニュ(1533–1592)は、バロコという用語を「奇妙で役に立たないほど複雑」と関連付けました。[8]他の初期の情報源は、バロコを魔法、複雑さ、混乱、および過剰と関連付けています。[7]

バロックという言葉は、18世紀以前は不規則な真珠にも関連付けられていました。フランスのバロック様式とポルトガルbarrocoはしばしば宝石に関連した用語でした。1531年の例では、この用語を使用して、フランスシャルル5世[説明が必要]の宝物の目録にある真珠を説明しています[9]後に、この言葉は、バロックを「不完全に丸い真珠にのみ使用される」と説明しているアカデミー・フランセーズの1694年版に登場します。[10] 1728年のポルトガル語辞書も同様に、バロックを「粗くて不均一な真珠」に関連していると説明しています。[11]

バロックという言葉の別の由来は、イタリアの画家フェデリコバロッチ(1528–1612)の名前を指しています。[12]

18世紀になると、この用語はお世辞ではなく、音楽を表すために使用されるようになりました。1734年5月にメルキュールドフランスで印刷された1733年10月のジャンフィリップラモーのイポリートとアリシーの初演の匿名の風刺的なレビューで、批評家はこのオペラの目新しさは「デュバロック」であると不平を言った音楽は一貫したメロディーを欠いており、不協和音を惜しまず、キーとメーターを絶えず変更し、すべての作曲装置をスピーディーに駆け抜けました。[13]

1762年、アカデミーフランセーズは、この用語が「不規則、奇妙、または不平等」なものを比喩的に表すことができると記録しました。[14]

ミュージシャン、作曲家、哲学者であったジャン=ジャック・ルソーは、1768年に百科全書に次のように書いています。「バロック音楽とは、ハーモニーが混乱し、変調や不協和音が満載の音楽です。歌は耳障りで不自然です。イントネーションは難しく、動きは限られています。この用語は、論理学者が使用する「バロック」という言葉に由来しているようです。」[8] [15]

1788年、QuatremèredeQuincyは、EncyclopédieMéthodiqueの用語を「非常に装飾され、苦しめられている建築様式」と定義しました。[16]

フランス語の用語スタイルのバロック音楽のバロックは、1835年にアカデミーフランセーズのルディクショナリーに登場しまし[17] 19世紀半ばまでに、美術評論家や歴史家は、ルネサンス後の芸術を嘲笑する方法として「バロック」という用語を採用していました。これは、1855年に、バロック芸術家が「伝統の尊重」を欠いたために「細部を軽蔑し、乱用した」と書いた一流の美術史家、ヤーコプ・ブルクハルトによって使用された言葉の意味でした。[18]

1888年、美術史家のハインリヒヴェルフリンは、ルネサンスとバロックの絵画、彫刻、建築の違いを説明した、スタイルに関する最初の本格的な学術作品、ルネサンスとバロックを発表しました。[19]

ローマ のジェズ教会のクアドラトゥーラまたは トロンプ・ルイユの天井、 ジョヴァンニ・バティスタ・ガウリ作、1673年から1678年 [20]

建築のバロック様式がで採択された教義の結果であったカトリック教会でトレントの評議会に対応して、1545年から1563年にプロテスタントの改革。対抗宗教改革の第一段階は、宗教建築に厳しい学術的スタイルを課しました。それは知識人には訴えましたが、教会に通う人々の大衆には訴えませんでした。トレント公会議は、代わりに、より人気のある聴衆にアピールすることを決定し、芸術は直接的かつ感情的な関与を伴う宗教的テーマを伝えるべきであると宣言しました。[21] [22]同様に、ルター派のバロック芸術は、カルヴァン主義者の偉大な偶像破壊に応えて、アイデンティティの告白マーカーとして発展した。[23]

バロック様式の教会は、崇拝者が祭壇の近くにあり、ドームまたはキューポラが頭上にあり、光が下の教会を照らすことができる大きな中央スペースで設計されました。ドームは、天と地の結合を示すバロック建築の中心的な象徴的な特徴の1つでした。キューポラの内部は、天使と聖人の絵画、天使の漆喰の彫像で豪華に装飾され、下の人々に印象を与えました。天を見上げるのです。[24]バロック様式の教会のもう一つの特徴は、クアドラトゥーラです。漆喰のフレームの天井に描かれたトロンプ・ルイユの絵画は、本物か塗装されたもので、聖人や天使の絵画で溢れ、建築の細部によって手すりやコンソールとつながっています。Quadraturaのの絵画Atlantesコーニス以下は、教会の天井を支えるように見えます。システィーナ礼拝堂のミケランジェロの天井画は、それぞれ独自の視点で異なるシーンを組み合わせて1つずつ見るのとは異なり、バロック様式の天井画は、教会の床にいる視聴者が見ることができるように慎重に作成されました。まるで本物のように、正しい視点で天井全体。

バロック様式の教会の内部は、ハイバロック様式でますます華やかになり、通常はドームの下に置かれる祭壇の周りに集中していました。ハイバロックの最も有名なバロック様式の装飾的な作品は、聖ペテロの椅子(1647年から1653年)と聖ペテロのBaldachinoによって両方の、(1623年から1634年)ジャン・ロレンツォ・ベルニーニで、サンピエトロ大聖堂ローマインチ 聖ペテロのバルデキンは、バロック芸術における反対のバランスの例です。キャノピーの見かけの軽さを備えた、作品の巨大なプロポーション。そして、天蓋の上の天使の流れるカーテンと作品の堅いねじれた柱、ブロンズ、金と大理石の間のコントラスト。[25]ザ・ドレスデン聖母教会はドレスデンのルター派の市議会が委託されていると「聖ペテロのローマでの18世紀のオブザーバーで比較」された後1743年に完成しましたルター派バロック芸術の顕著な例として機能します。[1]

教会の内部にあるねじれた柱は、バロックの特徴の1つです。それは動きの感覚と光を反射する劇的な新しい方法の両方を与えます。カルトゥーシュは、バロック様式の装飾のもう一つの特徴でした。これらは大理石や石で彫られた大きな飾り額で、通常は楕円形で表面が丸く、金色の文字で画像やテキストが描かれ、室内装飾として、または建物の出入り口の上に置かれ、下の人々にメッセージを伝えました。それらは多種多様な発明を示し、大聖堂や宮殿から小さな礼拝堂まで、あらゆる種類の建物で発見されました。[26]

バロック建築家は、幻想を作り出すために強化遠近法を使用することがありました。ローマのパラッツォスパーダでは、ボロミーニはサイズが小さくなっている柱、狭い床、向こう側の庭にあるミニチュア像を使用して、通路の長さが実際にはわずか7メートルであるのに30メートルであるかのような錯覚を作り出しました。通路の端にある彫像は、高さがわずか60センチですが、実物大のように見えます。ボロミーニは数学者の助けを借りて幻想をデザインしました。

イタリアのバロック

聖イグナチオから ローマ(1626-1650)

バロック様式のファサードを持つローマで最初の建物は、1584年のジェズ教会でした。それは後のバロック様式の基準では明白でしたが、それに先行する伝統的なルネッサンスのファサードとのブレークをマークしました。この教会の内部は、豪華に装飾された高いバロック様式まで非常に厳粛なままでした。

1605年にローマで、ポールVは、形の拡散、色彩の豊かさ、劇的な効果を通じて感情と畏怖の念を起こさせるように設計された大聖堂と教会の建物を委託した一連の教皇の最初の人物になりました。[27]初期バロックの最も影響力のあるモニュメントの中には、サンピエトロ大聖堂(1606–1619)のファサードと、ファサードを初期の教会のミケランジェロのドームに接続した新しい海軍とロッジアがありました。新しいデザインは、そびえ立つドームと不釣り合いに広いファサードの間に劇的なコントラストを生み出し、ドーリア式の柱と柱廊玄関の大きな塊の間のファサード自体のコントラストを生み出しました。[28]

17世紀半ばから後半にかけて、このスタイルはピークに達し、後にハイバロックと呼ばれました。多くの記念碑的な作品は、教皇ウルバヌス8世とアレクサンデル7世によって委託されました。彫刻家で建築家のジャンロレンツォベルニーニは、サンピエトロ広場(1656年から1667年)の周りに新しい4つの列柱を設計しました。巨大な楕円形の3つの柱のギャラリーは、特大のドームのバランスを取り、教会と広場に統一感と巨大な劇場の感覚を与えます。[29]

サンタ・マリア・デッラ・サルーテで ヴェネツィア(1631-1687)

イタリアのハイバロックのもう1つの主要な革新者は、フランチェスコボロミーニでした。その主要な作品は、サンカルロアッレクアトロフォンテーヌ教会または4つの噴水の聖チャールズ(1634–46)でした。動きの感覚は、装飾ではなく、波打つ壁自体と、凹面のトラバースに挿入された楕円形の塔やバルコニーなどの凹面と凸面の要素によって与えられます。インテリアも同様に革新的でした。教会のメインスペースは、楕円形のドームの下にある楕円形でした。[29]

天使や聖人、トロンプ・ルイユの建築効果で賑わう塗装された天井は、イタリアのハイバロックの重要な特徴でした。主な作品は含まパラダイスへの聖イグナチオの参入により、アンドレア・ポッツォ中(1685年から1695年)聖イグナチオ教会ローマ、そしてイエスの名の勝利によって、ジョバンニ・バティスタ・ゴーリでジェズ教会ローマ(1669-を1683)、額縁からこぼれる人物と劇的な斜めの照明と明暗のコントラストが特徴でした。[30]このスタイルはローマからイタリアの他の地域に急速に広まりました。それは、巨大なキューポラで飾られた非常に独創的な八角形の形であるバルダッサーレロンヘナによるサンタマリアデッラサルー​​テ教会(1631–1687)のヴェネツィアに現れました。トリノ、特にグアリーノ・グアリーニの聖シュラウド礼拝堂(1668–1694)にも登場しました。このスタイルは宮殿でも使用され始めました。グアリーニは設計のPalazzoカリニャーノLonghenaを設計しながら、トリノをカ・レッツォーニコを上大運河によって仕上げ、(1657)、ジョルジョマサリによる絵画が飾らとバティスタ・ティエポロ。[31]シチリア島での一連の大地震は、それらのほとんどの再建を必要とし、いくつかは活気に満ちた後期バロックまたはロココ様式で建てられました。

  • ファサードジェズ教会からローマ(1584)

  • ジェズ教会の 天井(1674–1679)

  • カ・レッツォーニコからヴェネツィア (1649-1656)

  • フランチェスコ・ボロミーニ(1632)による、ローマのパラッツォ・スパーダの中庭を飾るカルトゥーシュ

  • パラッツォスパーダ(1632)にある、フランチェスコボロミーニによる、廊下が実際よりもはるかに長いという幻想を生み出す強制遠近法のギャラリー

  • 聖ペテロの議長により、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニで、サン・ピエトロ大聖堂ローマから(1657-1666)

スペインのバロック

フェルナンドデカサスノボアによる サンティアゴデコンポステーラ大聖堂の塔 (1680年(中央塔)および1738年から1750年)

スペインのカトリック教会、特にイエズス会は、スペインのバロック建築の原動力でした。このスタイルの最初の主要な作品は、1643年にペドロデラトーレによって始められたマドリードのサンイシドロ礼拝堂でした。それは、外部の装飾の極端な豊かさと内部のシンプルさを対比させ、複数のスペースに分割し、光の効果を使用して謎の感覚を作り出しました。[32]サンティアゴ・デ・コンポステーラの大聖堂は、17世紀の終わりに始まり、非常に華やかな鐘楼(1680)から始まり、さらに高くて華やかな2つの塔が隣接する、一連のバロック様式の追加で近代化されました。Obradorio、1738年から1750年の間にフェルナンドデカサスノボアによって追加されました。スペインのバロック様式の別のランドマークのチャペル塔であるサンテルモの宮殿でセビージャによるレオナルド・デ・フィゲロア。[33]

グラナダは15世紀にムーア人から征服されたばかりで、独自の種類のバロックがありました。画家、彫刻家、建築家のアロンソカーノは、1652年から1657年に亡くなるまでの間に、グラナダ大聖堂のバロック様式の内部を設計しました。巨大な白い柱と金色の装飾の劇的なコントラストが特徴です。

スペインのバロック様式の最も装飾的で豪華な装飾が施された建築物はチュリゲレスク様式と呼ばれ、主にサラマンカとマドリードで働いていたチュリゲレス兄弟にちなんで名付けられました。彼らの作品には、市内のメイン広場であるサラマンカのマヨール広場(1729年)の建物が含まれます。[33]この非常に装飾的なバロック様式は、アメリカ大陸のスペイン人によって建てられた多くの教会や大聖堂に非常に影響を及ぼしました。

後期バロック様式の他の著しいスペインのバロック様式の建築家は、ペドロ・デ・リベラ・マドリードにサン・フェルナンド王立ホスピスを設計し、Churrigueraの瞳と、ナルシソ・トーム有名な設計された、エルTransparenteので祭壇画をトレド大聖堂(1729年から1732年)をどの特定の光の中で、上向きに浮かんでいるような錯覚を与えます。[33]

スペインのバロックの建築家は、スペインをはるかに超えた影響を及ぼしました。彼らの仕事は、ラテンアメリカとフィリピンのスペイン植民地に建てられた教会に大きな影響を与えました。華やかなバロック様式のファサードと塔があるテポツォトランの大学のためにイエズス会によって建てられた教会は、その良い例です。[34]

  • グラナダ大聖堂(1652-1657)

  • サンエステバン修道院の祭壇画、サラマンカ(1690)

  • マヨール広場からサラマンカ(1729)

  • マドリッドのサンフェルナンドホスピス(1750)

中央ヨーロッパとロココ(1740年代から1770年代)

Quadratura ; アンドレア・ポッツォがウィーンのイエズス会教会のために 描いたドーム。 存在しないドームの周りの天国の人物を見上げるような錯覚を与えます(1703)

1680年から1750年にかけて、多くの非常に華やかな大聖堂、修道院、巡礼教会が中央ヨーロッパ、バイエルン、オーストリア、ボヘミア、ポーランド南西部に建設されました。いくつかはロココ様式で、バロックから出現した独特でより華やかで非対称な様式でしたが、18世紀前半に中央ヨーロッパで置き換えられ、次に古典主義に置き換えられました。[35]

その地域の多数の州の王子たちはまた、宮殿と住居にバロックまたはロココを選び、イタリアの訓練を受けた建築家を使ってそれらを建設しました。[36]注目すべき建築家は、ヨハン・フィッシャー・フォン・エルラッハ、含まれるルーカス・フォン・ヒルデブラントとドミニカス・ジマーマンバイエルンで、バルタザール・ノイマンにブリュール、及びダニエル・ペッペルマンをドレスデン。プロイセンでは、フリードリヒ2世は、触発されたグラントリアノンのベルサイユ宮殿、そして彼の夏の離宮、のモデルとしてそれを使用しサンスーシでは、ポツダムで彼のために設計された、ゲオルク・フォン・Wenzeslaus Knobelsdorff(1745年から1747年)。バロック様式の宮殿建築のもう一つの仕事があるツヴィンガー中ドレスデン、公爵の宮殿の旧オランジェリーザクセン18世紀インチ

聖ニコラス教会(マラーストラナ)から プラハ(1704年から1755年)

ロココ様式の教会の最も良い例の1つは、ドイツ南部のバイエルン州、バンベルク近くのバートシュタッフェルシュタインの町の近くにある巡礼教会であるバジリカヴィエルツェンハイリゲン、または14人の聖なるヘルパーのバシリカです。大聖堂はバルタザールノイマンによって設計され、1743年から1772年の間に建設されました。その計画では、中央の楕円の周りに一連の連動する円があり、祭壇は教会の正確な中心に配置されています。この教会の内部は、ロココ様式の装飾の頂上を示しています。[37]このスタイルのもう一つの注目すべき例は、ヴィースの巡礼教会(ドイツ語:ヴィースの巡礼)です。JB兄弟とドミニクスツィンマーマン兄弟によって設計されました。これは、の麓に位置しているアルプスの自治体では、シュタインガーデンでのヴァイルハイム=ショーンガウ郡の地区、バイエルン、ドイツ。建設は1745年から1754年の間に行われ、内部はウェッソブルナー学校の伝統に従ってフレスコ画とスタッコ細工で装飾されていました。現在はユネスコの世界遺産に登録されています。

もう一つの注目すべき例はある聖ニコラス教会(マラーストラナ)によって構築されたプラハで(1704年から1755年)、クリストフ・ディエンツェンホーファーと彼の息子キリアンIgnazディエンツェンホーファー。装飾は教会の内部の壁のすべてを覆っています。祭壇は中央のドームの下の身廊に置かれ、礼拝堂に囲まれています。光は上のドームと周囲の礼拝堂から降りてきます。祭壇はアーチ、柱、湾曲した欄干、色のついた石の柱で完全に囲まれており、彫像で豪華に装飾されており、実際の建築と装飾の間に意図的な混乱を引き起こしています。建築は、光、色、動きの劇場に変わります。[25]

ポーランドでは、イタリア風のポーランドバロック様式が、17世紀初頭から18世紀半ばまで続き、細部と色の豊かさを強調していました。現在のポーランドで最初のバロック様式の建物で、おそらく最も有名な建物の1つは、ジョヴァンニバッティスタトレヴァーノによって設計されたクラクフの聖ペテロ聖パウロ教会です。1644年に建てられたワルシャワのシギスムンドの柱は、柱の形で建てられた世界初の世俗的なバロック様式の記念碑でした。[38]宮殿の住居スタイルは、1677年から1696年の間に建設されたビラヌフ宮殿によって例示されました。[39]ポーランドで活躍した最も有名なバロック建築家は、オランダ人のティルマンヴァンガメレンであり、彼の著名な作品には、ワルシャワの聖カジミエシュ教会とクラシンスキ宮殿があります。聖アンナはクラクフでだとBranicki宮殿にビャウィストク。[40]しかし、ポーランドのバロック様式の最も有名な作品は、ポズナンのファラ教会であり、詳細はポンペオフェラーリによるものです。

  • ファラ教会からポズナン(ポーランド)(1651年から1701年)

  • レムナントツヴィンガー宮殿内ドレスデン(1710-1728)

  • 天井オットーボイレン修道院で、バイエルン(1711-1725)

  • プラハのイエズス会大学クレメンティナム図書館(1722年)

  • カールス教会(ウィーン)、フィッシャー・フォン・エルラッハ(1737年奉献)

  • Vierzehnheigen聖堂からバイエルンにより、バルタザール・ノイマン(1743-1772)

  • サンスーシ、ポツダム、ゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・ノベルスドルフ(1745–1747)

  • 東ファサードヴュルツブルクのレジデンツからヴュルツブルク(ドイツ)

フランスのバロックまたは古典主義

ヴェルサイユ宮殿(1661年にルイ・ル・ヴォーによって始められた )

フランスは、イタリア、スペイン、ウィーン、その他のヨーロッパの華やかなバロック様式に大きく抵抗しました。フランスのバロック様式(フランスではグランドクラシシズムまたは単にクラシシズムと呼ばれることが多い)は、ルイ14世とルイ15世のために建てられた作品と密接に関連しています。それはバロックよりも幾何学的な秩序と尺度を特徴とし、ファサードとインテリアの装飾はそれほど精巧ではありません。ルイXIVは、ルーヴルの新しい翼の設計を提出するバロック、ベルニーニのマスターを招待したが、ことによって、よりクラシカルなデザインの賛成で、それを拒否したクロード・ペローとルイ・ル・ヴォー。[41]

このスタイルの主な建築家には、フランソワ・マンサール(シャトー・ド・バレロイ、1626〜1636)、ピエール・ル・ミュエ(ヴァル・ド・グラース教会、1645〜1665)、ルイ・ル・ヴォー(ヴォー・ル・ヴィコント、1657〜1661)が含まれます。特にジュール・アルドゥアン・マンサールとロベール・ド・コッテは、ヴェルサイユ宮殿のギャラリー・デ・グレイスと大トリアノン(1687–1688)を手がけました。マンサートは、ヴァンドーム広場(1686–1699)のバロック古典主義にも責任を負っていました。[42]

当時の主要な王室のプロジェクトは、ヴェルサイユ宮殿の拡張でした。これは、1661年にル・ヴォーが画家シャルル・ル・ブランの装飾で始めたものです。庭園はアンドレ・ル・ノートルによって、建築を補完し増幅するために特別に設計されました。ルブランの絵画が飾られたシャトーの目玉である鏡の間(鏡の間)は、1678年から1686年の間に建設されました。マンサールは1687年に大トリアノンを完成させました。ドコッテによって設計された礼拝堂は1710年に完成しました。ルイXIVの死後、ルイXVは、より親密なプチトリアノンと非常に華やかな劇場を追加しました。庭園の噴水は、内部から見えるように設計されており、劇的な効果を追加します。宮殿は賞賛やヨーロッパの他の君主、特にによってコピーされたピョートル大帝の早期ルイXVの治世にヴェルサイユを訪問したロシアの、そして時に彼自身のバージョンを建てペテルゴフ宮殿サンクトペテルブルクの近くに、1705と1725の間[43]

  • 教会サンポールサンルイ、新バロック様式の外観を持つ最初のパリの教会(1616年から1620年)

  • ヴォールヴィコント城からMaincyの(1657-1661)

  • クロード・ペローとルイ・ル・ヴォーによるルーヴル美術館の東側ファサード(1668–1680)

  • ヴェルサイユ宮殿の鏡の間(1678–1686)

  • ドームデアンヴァリッド、一部のアンヴァリッド(パリ)

  • ヴィクトワール広場(1684–1697)、ジュールアルドゥアンマンサール作

ポルトガルのバロック

ネプチューンの栄光、 ケルス宮殿、1747年

ポルトガルのバロック建築は約2世紀(17世紀後半と18世紀)続きました。ジョンVとジョセフIの治世は、ポルトガルのバロックが繁栄することを可能にした王室絶対主義と呼ばれる時期に、金とダイヤモンドの輸入を増やしていました。

ポルトガルのバロック建築は、ヨーロッパの他の地域とは異なる特別な状況と異なるタイムラインを楽しんでいます。

それは、いくつかの段階を引き起こすいくつかの政治的、芸術的、経済的要因、およびさまざまな種類の外部の影響によって条件付けられ、独特のブレンドをもたらします[44]、イタリアの芸術を探している人々によってしばしば誤解され、代わりに特定の形と性格を見つけますそれは独特のポルトガルの品種です。もう1つの重要な要素は、「プレーンスタイル」(EstiloChãoまたはEstilo Plano)[45]とも呼ばれるJesuiticalアーキテクチャの存在ですこれは、名前が連想させるように、よりプレーンで、やや厳格に見えます。

インテリア ティバエス修道院、 ブラガ、1757

建物はシングルルームの大聖堂、深いメインチャペル、ラテラルチャペル(コミュニケーション用の小さなドア付き)で、内外装の装飾はなく、非常にシンプルなポータルと窓があります。それは非常に実用的な建物であり、わずかな調整で帝国全体に建てることができ、後でまたは経済的資源が利用可能になったときに装飾する準備ができています。

実際、最初のポルトガルのバロック様式は、装飾(絵画、タイル張りなど)によって「プレーンスタイル」を簡単に変換でき、空の領域を豪華で手の込んだバロック様式のシナリオに変えることができるため、建物に欠けることはありません。同じことが外装にも当てはまります。その後、建物を時間と場所の好みに適合させ、新しい機能と詳細を追加するのは簡単です。実用的で経済的。

より多くの住民とより良い経済的資源、北、ポルトとの特にエリアではブラガ、[46] [47] [48]貴族によって建てられた教会、修道院や宮殿の大規模なリストに表示建築リニューアルし、目撃。

ポルトはポルトガルのバロックの街です。その歴史的中心部はユネスコの 世界遺産リストの一部です。[49]

バロック様式の多くはに属し、都市とそれ以降の歴史的なエリアで働くニコラウ・ナソニなどscenographic定置して、元の建物を描く、ポルトガルに住むイタリア人建築家クレリゴス教会や塔、[50]のlogionの複数ポルト大聖堂、ミゼリコルジア教会、サンジョアンノボ宮殿、[51] Freixoの宮殿、[52]司教パレス(ポルトガル語:パコ司教行うポルト[53]他の多くと一緒。

ロシア・バロック

バルトロメオ・ラストレッリによるエカテリーナ宮殿(1752–1756) の西側のファサード

ロシア・バロック、またはペトリン・バロックのデビューは、1697年から98年にピョートル大帝が西ヨーロッパを長い間訪れた後、フォンテーヌブローの城やヴェルサイユ、その他の建築記念碑を訪れました。彼はロシアに戻ると、1712年にロシアの新しい首都となったサンクトペテルブルクに同様のモニュメントを建設することを決定しました。ペトリンバロックの初期の主要なモニュメントには、ピーターアンドポール大聖堂とメンシコフ宮殿があります。

アンナ皇后とエリザヴェータペトロフナの治世中、ロシアの建築は、エリザベサンバロックに発展したイタリア生まれのバルトロメオラストレッリの豪華なバロック様式によって支配されていました。ラストレッリの代表的な建物には、冬宮殿、エカテリーナ宮殿、スモルニー大聖堂などがあります。エリザベサンバロックの他の特徴的なモニュメントは、至聖三者聖母教会の鐘楼と赤い門です。[54]

ではモスクワ、モスクワ・バロックは特にのアーキテクチャでは、広範囲になった東方正教会の後半17世紀の教会。それは西ヨーロッパのバロックと伝統的なロシアの民俗様式の組み合わせでした。

スペインとポルトガルの植民地時代のアメリカ大陸のバロック

ファサード イエズス教会から アレキパ( ペルー)、1698年から1699年。ファサードの高さはスペインの建築家ディエゴデアドリアンによって監督されましたが、ほとんどすべてのアンデスハイブリッドバロック様式のモニュメントと同様に、装飾はネイティブアメリカンの彫刻家や石工によって彫られました

ヨーロッパ諸国による南北アメリカの植民地化により、バロックは自然に新世界に移り、スペインとポルトガルが支配する地域で特に有利な土地を見つけました。両国は中央集権的で還元不可能なカトリック君主制であり、ローマとその支持者の支配下にあります。最も典型的なバロックの反改革派。ヨーロッパの芸術家はアメリカに移住して学校を作り、カトリックの宣教師が広く浸透するとともに、その多くは熟練した芸術家であり、人気のある好みに影響されることが多い多形のバロックを生み出しました。クリオロとIndidenous職人が、このバロック様式のユニークな機能を与えることをずっとやりました。まだ立っているアメリカのバロック栽培の主な中心地は、(この順序で)メキシコ、ブラジル、ペルー、エクアドル、キューバ、コロンビア、ボリビア、グアテマラ、プエルトリコです。

特に注目すべきは、いわゆる「宣教師バロック」であり、スペインのカトリックによって組織された先住民の集落である、メキシコと現在の米国の南西部からアルゼンチンとチリまでの地域でのスペインの縮小の枠組みの中で開発されました。キリスト教の信仰に変換し、栄えバロックネイティブ文化の影響を受けてハイブリッド形成、西洋の生活の中でそれらをacculturateするために宣教師Criollos、多くのインドの職人やミュージシャン、でも読み書きが、自分自身の偉大な能力や才能をいくつか。宣教師の話では、西洋の芸術、特に音楽が林業家に催眠術の影響を与え、聖人の像は大きな力を持っていると見なされていたとよく言われます。多くのインド人が回心し、神秘主義、迷信、演劇性に満ちた情熱的な強さの新しい形の献身が生み出され、祝祭の大衆、神聖なコンサート、そして謎を喜ばせました。[56] [57]

スペインのアメリカの植民地時代のバロック建築は、のポータル多量の装飾(によって特徴付けられるラProfesa教会、メキシコシティ、ファサードは覆われプエブラスタイルの アズレージョのように、サンフランシスコAcatepecの教会でのサン・アンドレスチョルラとサンフランシスコの修道院教会プエブラ、いわゆるに悪化するだろう)、Churrigueresqueスタイル(の幕屋のファサードメキシコシティの大聖堂で、ロレンツォ・ロドリゲス、サンフランシスコハビエルの教会、テポツォトゥラン;サンタプリスカ教会のタスコ)。でペルー、ほとんどの都市で開発された構造リマ、クスコ、アレキパとトルヒーヨ1650以降は、使用のように、でもヨーロッパのバロックに進出している本来の特性を示してクッション性の壁とソロモンの列(ラ舞踊団・デ・ヘスス教会を、クスコ;サンフランシスコの大聖堂と修道院、リマ)。[58]他の国が含まれます:スクレのメトロポリタン大聖堂でボリビアを。Esquipulasの大聖堂でグアテマラ。テグシガルパ大聖堂でのホンジュラス。レオン大聖堂でのニカラグア。ラ舞踊団・デ・ヘスス教会でキト、エクアドル。サンイグナチオ教会でボゴタ、コロンビア。カラカス大聖堂でベネズエラ。ブエノスアイレスの町議会でアルゼンチン。サントドミンゴ教会でサンティアゴ、チリ。そしてハバナ大聖堂でキューバ。それはまたの教会の品質覚えておく価値があるボリビアのスペインイエズス会のミッションを、パラグアイのスペインのイエズス会の任務、メキシコでスペイン語のミッションとカリフォルニア州でスペイン語のフランシスコミッション。[59]

では、ブラジルの大都市のように、ポルトガル、アーキテクチャは、特定の持っているイタリアの影響通常の、Borrominesqueに見られるように、タイプをレシフェの共同大聖堂(1784)とノッサセニョーラ・ダ・グロリアDO Outeiroの教会ではリオ・デジャネイロ(1739)。領域ではミナスジェライス州、の作業強調表示されたアレイジャディーニョ、凹凸の動的効果との湾曲した面積測定の目立つ教会、ファサードの基(すべての建築要素のプラスチック治療の作者サンフランシスコデアシス教会でのオーロプレト、1765年から1788年)。

  • サンフランシスコAcatepecの教会メキシコから

  • チワワ大聖堂からメキシコ(1725-1792 [60]

  • ユネスコの世界遺産に登録されているニカラグアのレオン大聖堂(1747〜 1814年)

  • サンフランシスコデアシスのマイナー聖堂からハバナ(キューバ)(1548から1738 [61]

  • ロサリオドスPretos教会からオーロプレト(ブラジル)(1762から1799 [62]

  • サンアグスティン教会からキト(エクアドル)(1606年から1617年[63]

  • パラシオデトレTagleからリマ(ペルー)(1715から1735 [64] )、リマのバルコニー

  • サントドミンゴ教会からサンティアゴ(チリ)(1747年から1808年[65]

スペインとポルトガルの植民地時代のアジアのバロック

ポルトガルの植民地ではインド(ゴア、ダマン・ディウ)ヒンドゥー教の要素と混合バロック形式の建築様式は、次のような、栄えゴア大聖堂とジェズスの大聖堂の墓収容ゴアの、聖フランシスコ・ザビエルを。一連のゴアの教会や修道院が宣言された世界遺産1986年。

長い間スペイン帝国の一部であったフィリピンでは、バロック様式の建造物が数多く保存されています。その中には、そのうちの4つであるフィリピンのバロック様式の教会、バロック様式と新古典主義の都市ビガンがあり、どちらもユネスコ 世界遺産に登録されています。遺産。マニラの城壁都市(イントラムロス)も非常に注目に値しました。スペイン時代のバロック様式が保存されている他の都市はタヤバスです。

キリストの埋葬; カラヴァッジョによる ; 1602〜1604年頃。キャンバスに油彩; 3×2m; ピナコテカバチカーナ( バチカン市国)

バロック画家は、ルネサンス期とその後のマニエリスム時代の画家とは一線を画すために意図的に働きました。彼らのパレットでは、強烈で温かみのある色を使用し、特に赤、青、黄色の原色を使用して、3つすべてを近接させることがよくありました。[66]彼らはルネサンス絵画の均一な照明を避け、中心的な行動や人物に注意を向けるために、絵の特定の部分に明暗の強いコントラストを使用しました。彼らの作曲では、彼らはルネサンス絵画の静かなシーンを避け、最大の動きとドラマの瞬間を選びました。ルネサンス絵画の静かな顔とは異なり、バロック絵画の顔は彼らの感情をはっきりと表現していました。彼らはしばしば非対称性を使用し、アクションは画像の中心から離れて発生し、垂直でも水平でもないが、左右に傾斜した軸を作成し、不安定さと動きの感覚を与えました。彼らは、人物の衣装を風に吹かれたり、自分のジェスチャーで動かしたりすることで、この動きの印象を高めました。全体的な印象は、動き、感情、そしてドラマでした。[67]バロック絵画のもう一つの本質的な要素は寓話でした。すべての絵は物語を語り、メッセージを持っていました。多くの場合、シンボルや寓話的な文字で暗号化されており、教育を受けた視聴者はそれを知って読むことが期待されていました。[68]

ラスメニーナス; ディエゴ・ベラスケス。1656–1657; キャンバスに油彩; 318cm×276cm; プラド美術館( スペイン、マドリッド)

絵画におけるイタリアのバロック思想の初期の証拠は、ボローニャで発生しました。そこでは、アンニーバレカラッチ、アゴスティーノカラッチ、ルドヴィコカラッチが、視覚芸術をルネサンスの秩序ある古典主義に戻そうとしました。しかし、彼らの芸術には、対抗宗教改革の中心となるアイデアも組み込まれていました。これらには、知性よりも心に訴える激しい感情と宗教的イメージが含まれていました。[69]

バロック時代のもう1人の影響力のある画家は、ミケランジェロメリシダカラヴァッジョでした。人生から直接描かれ、暗い背景に劇的にスポットライトを当てられた彼の人間の姿への現実的なアプローチは、彼の同時代人に衝撃を与え、絵画の歴史に新しい章を開きました。バロック様式に密接に関連する他の主要な画家には、イタリアのアルテミジアジェンティレスキ、グイドレーニ、ドメニキーノ、アンドレアポッツォ、パオロデマッテイスが含まれます。スペインのフランシスコ・デ・スルバランとディエゴ・ベラスケス。ドイツのアダムエルスハイマー; そして、フランスのニコラ・プッサンとジョルジュ・ド・ラ・トゥール(プッサンは仕事のほとんどをイタリアで過ごしましたが)。プッサンとラトゥールは、感情にあまり焦点を当てず、色よりも絵の中の人物の線にもっと注意を払う「古典的な」バロック様式を採用しました。

金星のトイレ; フランソワ・ブーシェ。1751; キャンバスに油彩; 108×85cm; メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)

ピーテルパウルルーベンスは、フランドルバロック様式の最も重要な画家でした。ルーベンスの高電荷の作品は、古典とキリスト教の歴史の博学的な側面を参照しています。彼のユニークで非常に人気のあるバロック様式は、動き、色、官能性を強調し、対抗宗教改革で推進された即時の劇的な芸術様式に従いました。ルーベンスは、神話や寓話の主題の祭壇画、肖像画、風景画、歴史画の制作を専門としています。

バロック絵画の重要な領域の1つは、クアドラトゥーラ、つまり文字通り「目を欺いた」トロンプ・ルイユの絵画でした。これらは通常、天井や上壁、手すりの漆喰に描かれ、地上の人々に、天使、聖人、その他の天の人物の群衆が描かれた空を背景にした天を見ているという印象を与えました。架空の建築。[35]

イタリアでは、芸術家はしばしば建築家と室内装飾について協力しました。ピエトロダコルトーナは、この幻想的な絵画の方法を採用した17世紀の画家の1人でした。彼の最も重要な任務の中には、教皇ウルバヌス8世の治世を称えるために、バルベリーニ家の宮殿(1633–39)のために描いたフレスコ画がありました。ピエトロダコルトーナの作品は、システィーナ礼拝堂でのミケランジェロの作品以来、ローマで実行された最大の装飾フレスコ画でした。[70]

フランソワ・ブーシェは、バロック時代後期に登場した、より繊細なフランスのロココ様式の重要人物でした。彼は絵画だけでなく、タペストリー、カーペット、劇場の装飾をデザインしました。彼の作品は、ルイ15世の愛人であるポンパドゥール夫人に非常に人気がありました。彼の絵画は、神話のロマンチックで、穏やかにエロティックなテーマを特徴としていました。[71]

  • バッカスとエイドリアンの勝利(の一部神の愛します)。カラッチ。1597〜1600年頃。フレスコ画; 長さ(ギャラリー):20.2 m; ファルネーゼ宮(ローマ)[72]

  • 聖マタイの召命; カラヴァッジョによる; 1599〜1600; キャンバスに油彩; 3.2 x 3.4 m; フランスの聖ルイ教会(ローマ)

  • 4つの大陸; ピーテル・パウル・ルーベンス。1615年頃; キャンバスに油彩; 209 x 284 cm; 美術史美術館(ウィーン、オーストリア)

  • サビニの女たちのレイプ; ニコラ・プッサン。1634〜1635; キャンバスに油彩; 154.6 x 209.9 cm; メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)

  • チャールズIアットザハント; アンソニー・ヴァン・ダイク。1635年頃; キャンバスに油彩; 2.66 x 2.07 m; ルーヴル美術館[73]

  • 夜警; レンブラントによる; 1642; キャンバスに油彩; 363×437cm; アムステルダム国立美術館(アムステルダム、オランダ)

  • 絵画芸術; ヨハネス・フェルメール。1666〜1668; キャンバスに油彩; 1.3 x 1.1 m; 美術史美術館

  • ルイ14世肖像; イアサントリゴー。1701; キャンバスに油彩; 277×194cm; ルーバー

スペインアメリカ大陸

ボリビアの絵画の例(クスコ学校から ): 火縄銃の天使; カラマルカのマスターによる ; 17世紀

スペインのアメリカ大陸では、最初に影響がでたセビリア テネブリズム主から、スルバラン-一部のその作品はまだに保存されているのメキシコとペルー-メキシコ人の作品に見られるようにホセ・フアレスとセバスティアン・ロペス・デ・アルテアガ、およびボリビアMelchorPérezdeHolguín。絵画のクスコ学校はイタリアの画家の到着後に生じたベルナルド・ビッティ導入1583で、マンネリをアメリカに。それは仕事の強調表示ルイス・デ・Riaño、イタリアの弟子アンジェリーノMedoroの壁画の作者サンペドロ教会のAndahuaylillasを。また、インド(ケチュア)の画家ディエゴキスペティトとバジリオサンタクルスプマカラオ、そしてクスコ大聖堂の高いアーチを覆う50の大きな帆布の作者であるマルコスサパタにも焦点を当てました。でエクアドル、キト学校は主に表される、形成されたメスティーソミゲルデサンティアゴとクリオロニコラスハビエルデGoríbar。

18世紀になると、彫刻の祭壇画が絵画に置き換わり始め、特に南北アメリカでバロック絵画が発展しました。同様に、主に貴族階級と教会論的階層の肖像画を中心とした土木工事の需要が高まりました。主な影響はでしたMurillesque、およびいくつかのケースで-のようクリオロ クリストーバル・デ・ビラルパンド-のバルデス・レアル。この時代の絵は、より感傷的なトーンで、甘くて柔らかい形をしています。これは、ハイライトグレゴリオ・バスケス・デ・アルセでコロンビア、およびフアン・ロドリゲスフアレスとミゲル・カブレラでメキシコを。

ルイXIVのバスト。 ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ。1665; 大理石; 105×99×46cm; ヴェルサイユ宮殿

バロック彫刻の支配的な人物はジャンロレンツォベルニーニでした。教皇ウルバヌス8世の後援の下、彼は顔とジェスチャーが彼らの感情を鮮やかに表現した聖人と人物の記念碑的な一連の像、並外れたリアリズムの肖像画の胸像、そして堂々とした椅子を含むバチカンのための非常に装飾的な作品を作りました聖ペテロのドームの下にサンピエトロ大聖堂。さらに、彼はローマの主要な広場を飾るために、記念碑的な彫刻のグループで噴水を設計しました。[74]

バロックの彫刻は、古代ローマの彫像、特にバチカンのギャラリーに展示されていた1世紀の有名なラオコーン像に触発されました。彼が1665年にパリを訪れたとき、ベルニーニは絵画と彫刻のアカデミーの学生に演説しました。彼は生徒たちに自然からではなく古典的なモデルから作業するようにアドバイスしました。彼は生徒たちに、「最初の彫像に問題があったとき、私は神託のようにアンティノウスに相談した」と語った。[75]

著名な後期フランスのバロック彫刻家には、エティエンヌモーリスファルコネとジャンバティストピガールが含まれていました。ピガールはフリードリヒ大王から、ドイツのポツダムにあるサンスーシでフレデリック自身のヴェルサイユの彫像を作るよう依頼されました。ファルコネットはまた、サンクトペテルブルクで見つかった馬に乗ってピョートル大帝の有名な像を作成する重要な外国の委員会を受け取りました。

スペインでは、彫刻家のフランシスコサルシージョが、多色の木材を使用して、宗教的なテーマに専念しました。最高のバロック彫刻の職人技のいくつかは、地元の職人によって作られた、新世界のスペイン植民地の教会の金色の漆喰の祭壇で見つかりました。例としては、オアハカ(メキシコ)のサントドミンゴ教会のロザリー礼拝堂、1724年から1731年があります。

  • アポロとダフネ; ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ。1622〜1625; 大理石; 高さ:2.43 m; ボルゲーゼ美術館

  • 上Caryatidesパビリオンドオロロージュ(ルーブル宮によって)、ジャックス・サラジン、1639年から1640年

  • 聖ヴェロニカ; フランチェスコ餅。1629〜1639; カラーラ大理石; 高さ:5 m; サンピエトロ大聖堂(バチカン市国)

  • アンドリーズ・デ・グラーフの胸像; アルトス・クエリナス・ザ・エルダー。1661; 大理石; 高さ:76cm、幅:76cm、厚さ:36cm; アムステルダム国立美術館(アムステルダム、オランダ)

  • 土星の噴水; ジラルドン。1672〜1677; 金色の鉛; ヴェルサイユ宮殿(フランス)

  • 王の名声に乗るペガサス; アントワーヌ・コワズヴォクス。1701〜1702; カラーラ大理石; 高さ:3.15 m、幅:2.91 m、深さ:1.28 m; ルーバー

  • アドニスの死; ジュゼッペ・マズウオリ。1710年代; 大理石; 高さ:193cm; エルミタージュ美術館(サンクトペテルブルク、ロシア)

  • マーキュリーはランニングシューズを履いています。よるジャン=バティスト・ピガール。1753; 鉛; 187×108×106cm; ルーバー

石トップ(おそらく大理石)の美しい金色のバロック様式のテーブル、 Cinquantenaire美術館( ブリュッセル、 ベルギー)

使用される主なモチーフは以下のとおりです。たくさんの角、festoons、赤ちゃんの天使たち、彼らの口に金属リングを保持しているライオンの頭、女性の顔が花輪、楕円で囲まれたカルトゥーシュ、アカンサスの葉、古典列、caryatids、ペディメントとの他の要素古典建築彫刻します家具の一部には、[76]果物や花、貝殻、鎧やトロフィー、アポロやバッカスの頭、C字型の渦巻きが入ったバスケットがあります。[77]

ルイ14世の治世の最初の期間、家具はルイ13世の以前のスタイルに従い、巨大で、彫刻と金メッキで大量に装飾されていました。1680年以降、主に家具デザイナーのアンドレシャルルブールのおかげで、より独創的で繊細なスタイルが登場しました。これはブールワークとしても知られています。これは、15世紀にフィレンツェで最初に使用された技法である黒檀やその他の希少な木材の象眼細工に基づいており、ルイ14世で働いていたブールや他の人々によって洗練され開発されました。家具には、黒檀、銅、さまざまな色のエキゾチックな木材の飾り額がちりばめられていました。[78]

新しく、しばしば耐久性のあるタイプの家具が登場しました。便器2〜4個の引き出しとは、古い置き換えcoffre、または胸を。カナッペ、またはソファは、2個または3個のアームチェアの組み合わせの形で現れました。椅子の背もたれの両側にクッションイオンを詰めたfauteuilenconfessionaleや「Confessionalarmchair」など、新しい種類のアームチェアが登場しました。コンソールテーブルも初登場しました。壁に立てかけるように設計されています。もう1つの新しいタイプの家具は、食器を置くための大理石のテーブルであるテーブルアジビエでした。初期の種類の机が登場しました。マザランデスクが各列の4フィートと引き出しの2列の間に配置された中央部分のセットバックを、持っていました。[78]

  • キリストの生涯の場面が描かれた食器棚。1620〜1640; ベニヤ、オークとクルミの木、梨の木と黒檀、鋼と真ちゅう; ワルシャワ国立博物館(ポーランド)

  • 狩猟シーンのある食器棚。1620〜1640; ベニヤ、オークとクルミの木、白樺、ローズウッド、および他の多くの種類の木材、および鋼。174×148×63cm; ワルシャワ国立博物館

  • オランダのワードローブ; 1625〜1650; エボニーとローズウッドのベニヤをあしらったオーク材。全体:244.5 x 224.3 x 85.2 cm; クリーブランド美術館(クリーブランド、オハイオ州、米国)

  • 折りたたみ式トップ付きの小さなデスク(ビューローブリゼ); 1685年頃; オーク、パイン、クルミ、エボニー、ローズウッド、べっ甲のマーケトリー、真ちゅう、金銅、鋼の彫刻。77 x 106 x 59.4 cm; メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)

  • フランスの橋脚テーブル; 1685〜1690; 大理石のトップを備えた、彫刻、ジェッソ、金メッキの木材。83.6×128.6×71.6cm; シカゴ美術館(米国)[79]

  • クロノス、またはファーザータイムを描いたコンソールテーブル。1695; 塗装と金メッキの木材、上部に大理石。全体:95.3 x 107.3 x 62.9 cm; クリーブランド美術館

  • 便器; アンドレ・シャルル・ブール。1710〜1720年頃。黒檀、金銅の台紙および他の材料; 87.6×128.3×62.9cm; メトロポリタン美術館

  • ドイツのスラントフロントデスク。ハインリッヒ・ルートヴィヒローデまたはフェルディナンドPlitzner。1715〜1725年頃。トウヒとオークにメープル、アマランサス、マホガニー、クルミを添えたマーケトリー。90×84×44.5cm; マインツ(ドイツ); シカゴ美術館[80]

アントニオ・ヴィヴァルディ、(1678–1741)

バロックという用語は、バロック芸術のスタイルと重複する期間に作曲された音楽のスタイルを示すためにも使用されます。音楽のための「バロック」という用語の最初の使用は批判でした。匿名の、ラモーのの1733年10月で初演の風刺的なレビューではイポリットらAricie、中に印刷されたメルキュール・ド・フランス1734年5月に、評論家は音楽がコヒーレントメロディーを欠いていたことに文句「デュbarocque」このオペラの新規性があったことを暗示します、絶え間ない不協和音で満たされ、キーとメーターが絶えず変更され、すべての構成デバイスを迅速に実行しました。[81] ジャン=ジャック・ルソーミュージシャンと注目作曲ならびに哲学者であった、有名で1768年に非常に類似した観察を行っEncyclopédieのデニス・ディデロ:「バロック音楽はここで調和が混乱し、を装填することです変調と不協和音。歌は耳障りで不自然で、イントネーションは難しく、動きは制限されています。この用語は、論理学者が使用する「バロック」という言葉に由来しているようです。」[15]

期間の音楽のための用語の一般的な使用はで、1919年に始まっただけクルト・ザックス、[82] 、それはそれが最初で掲載された記事で、英語で使用したことを1940年までではなかったマンフレッド・ブコフツァー。[81]

バレエロイヤルデラニュイ(1653)の アポロとして衣装を着たルイ14世

バロックは音楽の実験と革新の時代でした。協奏曲やシンフォニアなど、新しい形式が発明されました。Operaは(と16世紀の終わりにイタリアで生まれたヤコポ・ペーリのほとんどが失われたDAFNEで生産、フィレンツェヨーロッパの残りを1598年に)、すぐに普及:ルイXIVは、音楽の最初の王立アカデミーを作成し、1669年には、詩人ピエール・ペランはパリ、一般に公開され、フランスで最初のオペラ劇場でオペラのアカデミーを開設し、初演Pomoneで音楽と、フランスで最初の壮大なオペラをロベール・カンベール5幕、精巧な舞台機械、およびAと、バレエ。[83] ドイツのハインリヒ・シュッツ、フランスのジャン=バティスト・リュリー、イギリスのヘンリー・パーセルはすべて、17世紀に彼らの国の伝統を確立するのに役立った。

クラシックバレエもバロック時代に始まりました。宮廷舞踊のスタイルはマリー・ド・メディチによってフランスにもたらされ、当初は宮廷のメンバー自身がダンサーでした。ルイ14世自身がいくつかのバレエで公の場で演奏しました。1662年3月、王立舞踏アカデミーが国王によって設立されました。それは最初のプロのダンススクールと会社であり、期間中にヨーロッパ中のバレエの基準と語彙を設定しました。[83]

この時期にピアノを含むいくつかの新しい楽器が導入されました。ピアノの発明は、イタリアのパドヴァのバルトロメオ・クリストフォリ(1655–1731)が、トスカーナの大王子であるフェルディナンド・デ・メディチに楽器の番人として雇われたとされています。[84] [85]クリストフォリは、楽器を「ピアノフォルテ」(「柔らかくて大きなヒノキの鍵盤」)と名付け、時間の経過とともにピアノフォルテフォルテピアノ、そして後には単にピアノと略した。[86]

作曲家と例

  • Giovanni Gabrieli(c。1554/ 1557–1612)Sonata pian'e forte(1597)、In EcclesiisSymphoniae sacrae book 2、1615から)
  • ジョヴァンニ・ジロラモ・カプスペルガー(c。1580–1651)Libro primo di villanelle、20(1610)
  • クラウディオ・モンテヴェルディ(1567–1643)、オルフェオ、ムジカのお気に入り(1610)
  • ハインリヒ・シュッツ(1585–1672)、Musikalische Exequien1629、1647、1650
  • Francesco Cavalli(1602–1676)、L'Egisto(1643)、Ercole amante(1662)、Scipione affricano(1664)
    JSバッハ(1685-1750)
  • ジャン=バティスト・ルリー(1632–1687)、アルミード(1686)
  • マルカントワーヌシャルパンティエ(1643–1704)、テデウム(1688–1698)
  • ハインリヒ・イグナズ・フランツ・ビーバー(1644–1704)、ミステリー・ソナタス(1681)
  • ジョン・ブロウ(1649–1708)、ヴィーナスとアドニス(1680–1687)
  • ヨハン・パッヘルベル(1653–1706)、キヤノンD(1680)
  • アルカンジェロ・コレッリ(1653–1713)、12協奏曲グロシ、作品。6(1714)
  • マラン・マレー(1656–1728)、ソネリ・ド・サン・ジュヌヴィエーヴ・デュ・モン・ド・パリ(1723)
  • ヘンリー・パーセル(1659–1695)、ディドとエネアス(1688)
  • アレッサンドロ・スカルラッティ(1660–1725)、ロネスタ・ネグリ・アモリ(1680)、イル・ポンペオ(1683)、ミトリデート・ユーパトーレ(1707)
  • フランソワ・クープラン(1668-1733)、レバリケードのmystérieuses(1717)
  • トマゾ・アルビノーニ(1671–1751)、Didone abbandonata(1724)
  • アントニオ・ヴィヴァルディ(1678–1741)、フォーシーズンズ(1725)
  • Jan Dismas Zelenka(1679–1745)、Il Serpente di Bronzo(1730)、Missa Sanctissimae Trinitatis(1736)
  • ゲオルク・フィリップ・テレマン(1681–1767)、デア・タグ・デ・ゲリヒト(1762)
  • ヨハン・ダーフィッド・ハイニチェン(1683–1729)
  • ジャン=フィリップ・ラモー(1683–1764)、ダルダニュス(1739)
  • ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル(1685–1759)、水上の音楽(1717)、メサイア(1741)
  • ドメニコ・スカルラッティ(1685–1757)、ハープシコードのソナタ
  • ヨハン・セバスチャン・バッハ(1685–1750)、トッカータとフーガ短調(1703–1707)、ブランデンブルク協奏曲(1721)、マタイ受難(1727)
  • ニコラ・ポルポラ(1686–1768)、セミラミド・リコノシウタ(1729)
  • ジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージ(1710–1736)、スターバト・マーテル(1736)

設定されたデザイン アンドロメダによって ピエール・コルネイユ、(1650)
ジャコモ・トレッリがバレエ「・ノス・ド・テティス」の ために 作成した劇場セットのデザイン。

バロック時代は、フランスとスペインの演劇の黄金時代でした。劇作家には、フランスのコルネイユ、ラシーン、モリエールが含まれていました。そしてロペ・デ・ベガとペドロ・カルデロン・デ・ラ・バルカスペイン。

バロック時代には、オペラやバレエの発展とともに、劇場の芸術とスタイルが急速に進化しました。より新しくより大きな劇場の設計、より精巧な機械の使用の発明、舞台を囲み、観客から機械を隠したプロセニアムアーチのより広い使用は、より風光明媚な効果と光景を奨励しました。[87]

バロックは、ルネッサンス期のイタリア文学モデルに続いて、スペインでカトリックで保守的な性格を持っていました。[88]ヒスパニック系バロック劇場は、騎士道の騎士道の世界に端を発するカトリックの宗教、君主主義者、国民の誇りと名誉という基本的な3つの感情を表した理想的な現実の公開コンテンツを目指していた。[89]

最初の期間1630に発生した除算をすることにより、主に表現される2つの期間は、バロックスペイン劇場でよく知られているロペ・デ・ベガが、またによってティルソ・デ・モリーナ、ガスパルアギラール、ギーエンデカストロ、アントニオ・マイラ・デ・エイムズクア、ルイスベレスデゲバラ、フアン・ルイス・デ・アラルコン、ディエゴ・ヒメネス・デ・エンシーソ、ルイス・ベルモント・ベルムデス、フェリペ・ゴディネス、ルイス・キノン・デ・ベナベンテやフアン・ペレス・デ・モンタルバン。第二の期間が表されるペドロ・カルデロン・デ・ラ・バルカと仲間は、劇作家アントニオウルタド・デ・メンドーサ、アルヴァロ・キュービロ・デ・アラゴン、ジェロニモ・デ・キャンサー、フランシスコ・デ・ロハス・ソリーリャ、ホアン・デ・マトス・フラゴソ、アントニオコエーリョYオチョア、アグスティンMoreto、およびフランシスコ・バンシズ・キャンダモを。[90]これらの分類は、各著者が独自の方法を持っており、Lopeによって確立された公式に時折固執する可能性があるため、緩いです。ロープの「マナー」はカルデロンのそれよりもリベラルで構造化されていたのかもしれません。[91]

ロペ・デ・ベガは、彼のArte nuevo de hacer comedias en este tiempo(1609)を通じて新しいコメディを紹介しました。彼は、イタリアの詩学校の3つのアリストテレスの統一(行動、時間、場所)と、スタイル、さまざまな種類の詩やスタンザを示す悲劇的な要素と漫画の要素の混合に関するアリストテレスの4番目の統一を破った新しい劇的な公式を確立しました何が表されているか。[92]ロープは造形芸術についての深い知識を持っているが、彼のキャリアの大部分の間、あるいは演劇や舞台美術でそれを使用しなかった。ロープのコメディは、演劇表現の視覚的側面に2番目の役割を与えました。[93]

ティルソデモリーナ、ロペデベガ、カルデロンは、スペインの黄金時代で最も重要な劇作家でした。繊細な知性と人文科学の深い理解で知られる彼らの作品は、ロープの原始的なコメディとカルデロンのより精巧なコメディの間の架け橋と見なすことができます。ティルソデモリーナは、ドンファン神話の最初のバージョンの1つである、有罪判決を受けた疑惑セビリアのトリックスターの2つの作品で最もよく知られています。[94]

コジモ・ロッティはマドリードに到着すると、ヨーロッパで最も先進的な演劇技術をスペインの裁判所に持ち込みました。彼の技術と機械工の知識は、「フィエスタ」と呼ばれる宮殿の展示会や、「模擬海戦」と呼ばれる川や人工噴水の豪華な展示会に適用されました。彼は、ブエンレティーロ、サルスエラ、アランフェスの庭園のスタイリングと、コリセオデルブエンレティーロの劇場用建物の建設を担当しました。[95]ロープの公式は、宮殿の劇場の基礎にふさわしくないという詩と、カルデロン・デ・ラ・バルカのような一部の劇作家のキャリアを始めた新しい概念の誕生から始まります。ニューロペシアンコメディの主要な革新を示すカルデロンのスタイルは、建設的な配慮と彼の内部構造への注意を払って、多くの違いを示しました。カルデロンの作品は形式的に完璧で、非常に叙情的で象徴的な言葉です。ロープの自由、活力、開放性は、カルデロンの知的反省と形式的な正確さへの一歩を踏み出しました。彼のコメディーでは、情熱と行動を超えた彼のイデオロギーと教義の意図を反映しており、Autossacramentalesの仕事は高いランクを達成しました。[96]コメディアのジャンルは、政治的、多芸術的、そしてある意味でハイブリッドです。ロペスのコメディにある欺瞞を解放する建築、音楽、絵画に由来するメディアやリソースと織り交ぜられた詩的なテキストは、風景の欠如と行動の対話に従事することから構成されていました。[97]

最も有名なドイツの劇作家は、オランダのヨーストファンデンフォンデルとピエールコルネイユのイエズス会モデルを使用したアンドレアスグリフィウスでした。イギリスのコメディアンとコンメディア・デラルテの伝統をコルネイユとモリエールの古典劇場と組み合わせたヨハン・フェルテンもいました。彼のツアー会社はおそらく17世紀で最も重要で重要なものでした。

スペイン植民地時代のアメリカ大陸

スペインからの進化に続いて、16世紀の終わりに、本質的に移牧されたコメディアンの会社が専門化し始めました。専門化に伴い、規制と検閲が行われました。ヨーロッパと同様に、劇場は寛容と政府の保護と拒絶(例外を除く)または教会による迫害の間でさえも揺れ動いていました。劇場は、社会秩序と君主制、宗教的教義の学校を尊重し、望ましい行動とモデルを広めるための道具として当局にとって有用でした。[98]

コラレスは、表現の利点を共有し、病院の利益のために投与しました。固定された地元の人々がいない地域によって即興の野外ステージで劇場を運んだ巡回会社(または「リーグの」)は、働くために代位の免許を必要としました、その価格またはピンシオン施しに運命づけられ、敬虔に働きます。[98]首都や主要都市で安定して働いていた企業にとって、彼らの主な収入源の1つは、経済的利益だけでなく、認知と社会的名声も提供したコーパスクリスティの祝祭への参加でした。レパートリーのコメディーと、優れた照明効果、風景、舞台を備えた特別な作品の両方を表現した、貴族の宮殿と貴族の邸宅での表現も、高給で権威のある作品の重要な源でした。[98]

ニュースペインの副王室で生まれ[99]、後にスペインに定住したフアンルイスデアラルコンは、ニュースペインのバロック劇場で最も著名な人物です。ロペ・デ・ベガの新しいコメディーへの適応にもかかわらず、彼の「顕著な世俗主義」、彼の裁量と抑制、そして彼のスペインの同時代人に対するアラルコンの特徴としての「心理的浸透」に対する鋭い能力が注目されています。彼の作品の中で注目に値するのは、彼の絶え間ない道徳的目的を反映したキャラクターのコメディであるLa verdadsospechosaです。[98]ソル・フアナ・イネス・デ・ラ・クルスの劇的な演出は、彼女をスペイン系アメリカ人のバロック劇場の2番目の人物として位置づけています。彼女の作品の中で、自動聖餐式の El divinoNarcisoとコメディーのLosempeñosdeunacasaについて言及する価値があります。

ヴェルサイユ宮殿のオランジュリーのパルテール (1684年)

バロック庭園としても知られる、フランス風ジャルダンやフランス式庭園最初の庭園で、17世紀にフランスで最も有名その後、16世紀にローマに登場し、そして、ヴォールヴィコントとベルサイユ宮殿。バロック様式の庭園は、18世紀半ばまで、ドイツ、オランダ、オーストリア、スペイン、ポーランド、イタリア、ロシアの王と王子によって建てられ、より自然な英国式庭園によって作り直され始めました。

バロック庭園の目的は、自然に対する人間の力を説明することであり、その建築者であるバロック庭園の栄光は、家の部屋のように幾何学的なパターンで配置されていました。彼らは通常、シャトーまたはテラスのいずれかから、外から見下ろすのが最もよく見られました。バロック様式の庭園の要素には、華やかなバロック様式のデザインにトリミングされた花壇や低い生垣のパルテール、庭園を分割して交差する砂利のまっすぐな小道や路地が含まれていました。テラス、スロープ、階段、滝は、標高の違いがある場所に配置され、視点を提供しました。円形または長方形の池または水盤は、噴水や彫像の設定でした。ボスケや慎重にトリミングされた木立や同じ木の線は、緑の壁のように見え、彫像の背景になりました。庭の端には、通常、訪問者が太陽や雨から身を守ることができるパビリオン、オレンジリー、その他の構造物がありました。[100]

バロック庭園には、膨大な数の庭師、継続的なトリミング、そして豊富な水が必要でした。バロック時代の後半に、形式的な要素は、曲がりくねった小道、トリミングされずに成長するために残されたさまざまな木の果樹園など、より自然な特徴に置き換えられ始めました。ローマの寺院や中国の塔などの素朴な建築物や絵のように美しい建造物、そしてメインガーデンの端にある緑豊かな「秘密の庭園」では、訪問者は読書や静かな会話を楽しむことができます。18世紀半ばまでに、ほとんどのバロック庭園は部分的または完全に英国式庭園のバリエーションに変わりました。[100]

ヴェルサイユとヴォー・ル・ヴィコントに加えて、元の外観の多くを今でも保持している有名なバロック庭園には、ナポリ近くのカゼルタ宮殿があります。ドイツのブリュールにあるニンフェンブルク宮殿とアウグストゥスブルク宮殿とファルケンラスト宮殿。オランダのヘットロー宮殿。ベルヴェデーレ宮殿でのウィーン。ラ・グランハ宮殿スペインで。そしてペテルゴフ宮殿サンクトペテルブルク、ロシアインチ [100]

  • シャトーから見たヴォー・ル・ヴィコント(フランス)の庭園(1656–1661)

  • 1680年代のヴェルサイユ宮殿の庭園ファサードの眺め

  • アンドレ・ル・ノートルが設計したチュイルリー庭園(フランス)の計画(1671年頃)

  • 今日ベルヴェデーレ宮殿(ウィーン、オーストリア)の復元されたパルテール

以下は、ロココにはある特徴とバロックにはない特徴です。[説明が必要]

  • 対称性の部分的な放棄、すべてがアールヌーボーのものと同様に優雅な線と曲線で構成されています
  • 大量の非対称曲線とC字型の渦巻き
  • 花で作られた花綱など、装飾における花の非常に幅広い使用
  • 中国と日本のモチーフ
  • 温かみのあるパステルカラー[101](白っぽい黄色、クリーム色、パールグレー、非常に明るい青)[102]

ルイ15世の愛人であるポンパドゥール夫人は、バロック様式とロココ様式の衰退に貢献しました。1750年、彼女は甥のアベルフランソワポワソンデヴァンディエールを、イタリアの芸術的および考古学的な発展を研究する2年間の任務に派遣しました。彼には、彫刻家のニコラス・コーチンや建築家のスフロなど、数人の芸術家が同行しました。彼らは古典芸術への情熱を持ってパリに戻った。ヴァンディエールはマリニー侯爵になり、1754年に建物のロイヤルディレクターに任命されました。彼は公式のフランス建築を新古典主義に向けました。コーチンは重要な美術評論家になりました。彼はブーシェのプチスタイルを非難し、建築画のアカデミーで古代と貴族に新たな重点を置いた壮大なスタイルを求めました。[103]

ドイツの美術史家で考古学者の先駆者であるヨハン・ヨアヒム・ウィンケルマンもバロック様式を非難し、古典芸術と建築の優れた価値を称賛しました。19世紀までに、バロックは嘲笑と批判の標的になりました。新古典主義の評論家フランチェスコ・ミリツィアは次のように書いています。「建築のボロミニーニ、彫刻のベルニーニ、絵画のピエトロ・ダ・コルトーナ...多くの芸術家に感染した美味しさの疫病です。」[104] 19世紀には、批判はさらに進んだ。ブリティッシュ・クリティックのジョン・ラスキンは、バロック彫刻は悪いだけでなく、道徳的にも腐敗していると宣言しました。[104]

スイス生まれの美術史家ハインリヒ・ヴェルフリン(1864–1945)は、ルネッサンスとバロック(1888)でバロックという言葉のリハビリを開始しました。ヴェルフリンは、バロックを「大量に輸入された動き」、ルネサンス美術とは正反対の芸術として特定しました。彼は現代の作家のようにマニエリスムとバロックを区別せず、後の段階である18世紀まで続いた学術的なバロックを無視しました。バロック様式の芸術と建築は、2つの世界大戦の間に流行し、大部分が批判的に支持され続けています。「バロック」という用語は、通常は蔑称的に使用され、過度の装飾や線の複雑さがあると考えられる芸術作品、工芸品、またはデザインを表します。

19世紀の終わりは、バロック様式のリバイバルやネオバロック様式などのリバイバルスタイルの黄金時代でした。

その実用的な(保護)機能に加えて、顔には美的および建築的目的もあります。それは特定の時代の支配的なスタイルを反映しています。装飾品は、建物の最も一般的な「装飾品」です。[105]:17 18世紀の建築で使用される装飾品を含め、バロック様式のリバイバルの建物で再利用されているたくさんのホルン、festoons、赤ちゃん天使、女性または男性mascarons、楕円形のカルトゥーシュ、アカンサスの葉、古典列、caryatids、ペディメントおよびその他の要素グレコローマンアーキテクチャ。ほとんどのバロック様式のリバイバル様式の建物には、マンサード屋根があり、通常は青、場合によっては黒で、楕円形またはドーマー窓があります。いくつかの家はこのスタイルで、通常は上部または下部にマスカロンが付いた、カルトゥーシュ型の眼球窓があります。フランスとルーマニアでは、入り口の多くに日よけがあり(フランス語:マーキス;ルーマニア語:マルキザ)、通常は貝殻の形をしたガラスと金属でできています。これらの2つの郡、特にルーマニアでは、ネオバロック様式がアールヌーボー様式と組み合わされることがありました。1890年代後半から1900年代初頭にかけてのボザール様式の建物は、バロック様式のリバイバル建築の非常に良い例です。パリで最も有名なネオ・バロック様式の建物は、次のとおりです。パヴィヨン・ド・フロール(の一部パレ・デュ・ルーヴル)、ガルニエ宮、プティ・パレ、およびグランパレ。このスタイルの重要な建築家には、シャルルガルニエ(1825〜1898)、フェルディナントフェルナー(1847〜1917)、ヘルマンヘルマー(1849〜1919)、イオンD.ベリンディ(1871〜1928)が含まれます。

装飾芸術では、バロック様式の復活は通常、ナポレオン3世スタイルまたは第二帝政期スタイルとして知られています。このスタイルのオブジェクトは、1890年代後半から1900年代初頭のルーマニアで非常に高く評価され、その多くはフランスまたはオーストリアから持ち込まれました。主な影響の1つは、皇后ウジェニーが好んだルイ16世スタイルまたはフランスの新古典主義でした。テュイルリー宮殿や他の場所の彼女の部屋はこのスタイルで装飾されていました。他の影響は、フランスルネサンスと含まヘンリーIIスタイルの大規模なと列、飾ら小さな大聖堂、のように構築した胸やキャビネット、ビュッフェ、credences、上の人気の影響を受けた、ペディメント、カルトゥーシュ、mascarons、と刻まれた天使とキメラを。それらは通常、クルミやオーク、あるいは黒檀に似せて染色されたポワリエで作られていました。[106]

  • Tête-à-tête、第二帝政の家具の例。1850〜1860; ローズウッド、アッシュ、パイン、クルミ。113 x 132.1 x 109.2 cm; メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)

  • セーヌ川のそばの若い女性; ギュスターヴ・クールベ。1856; キャンバスに油彩; 174 x 206 cm; プティパレ(パリ)

  • ヴィーナスの誕生; アレクサンドル・カバネル。1863; キャンバスに油彩; 130 x 225 cm; オルセー美術館(パリ)

  • パレ・ガルニエパリから、シャルル・ガルニエ

  • ヴッパータール(ドイツ)の、その上にプットのペアがあるウィンドウ

  • 科学者家の入り口(リヴィウ、ウクライナ)

  • リヴィウの科学者家の階段

  • Cantacuzino宮殿で勝利アベニューからブカレスト(ルーマニアによる)、イオンD. Berindey(1898年から1900年)[107]

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  • バロックとロココ文化
  • Webmuseum Paris
  • ヴァルディノートのバロック–シチリア島
  • 「美術史」のバロック
  • バロック様式とルイ14世の影響
  • メルヴィンブラッグのBBCラジオ4番組「私たちの時代:バロック」
  • 「バロックスタイルガイド」。英国のギャラリー。ビクトリアアンドアルバート博物館。2007年8月19日にオリジナルからアーカイブされました。2007年7月16日取得